IL GIUBILEO LETTERARIO del 1825: il solo Anno Santo (regolare) dell’Ottocento-Articolo di Giovanni Fighera-
Roma-Il 24 maggio 1824 fu indetto il Giubileo del 1825, che sarebbe stato l’unico dell’Ottocento. Erano passati quasi dieci anni dal Congresso di Vienna che intendeva riportare l’Europa al periodo precedente la Rivoluzione francese: la cosiddetta Restaurazione. Ma dopo l’abbattimento dell’Ancien Regime nulla sarebbe più stato come prima.
Prof.Giovanni Fighera
In quegli anni si assistette a un rilancio della Chiesa come istituzione a livello europeo e a una diffusa religiosità nel nascente clima culturale romantico che si tradusse anche in numerose conversioni dalla confessione luterana a quella cattolica: il diffuso fenomeno rappresentava il ritorno alla Chiesa madre di Roma dopo lo schiaffo che era stato inferto al papato sul finire del Settecento con la prigionia del papa e la mancata celebrazione dell’Anno Santo del 1800. In un certo senso, la rinnovata religiosità apparteneva a quella manifestazione più ampia di lotta contro Napoleone per l’affermazione della patria e per la libertà religiosa.
Nello stesso mese di maggio 1824 papa Leone XII promulgava la prima enciclica Ubi primum che attaccava l’arbitrio individuale nella lettura della Bibbia e, al contempo, l’indifferentismo religioso.
Il Collegio Romano e la Chiesa di Sant’Ignazio furono restituiti alla Compagnia di Gesù che tornava a ricoprire quel ruolo che aveva avuto da secoli. Il Giubileo era un grande dono – scriveva il papa – per tutti i fedeli del mondo. L’invito era quello di partecipare in gran numero per convertirsi e ottenere il perdono di tutti i peccati.
Accolsero l’invito importanti personalità della nobiltà e dei reali europei: Francesco I re di Napoli, Maria Teresa d’Este, Maria Cristina di Savoia, figlia del re di Sardegna. Vi parteciparono anche magistrati e ufficiali. Massimo d’Azeglio, all’epoca solo ventisettenne, che sarebbe divenuto genero di Alessandro Manzoni, pittore, scrittore, patriota e deputato del Regno d’Italia, era presente.
Non vi partecipò, invece, Alessandro Manzoni, nipote del giurista Cesare Beccaria celebre in tutta Europa, che in quegli anni stava redigendo la prima edizione de I promessi sposi a partire da quel Fermo e Lucia che aveva fatto leggere solo a pochi intimi amici. La sua conversione era avvenuta all’incirca quindici anni prima, non come racconta l’aneddoto della Chiesa di San Rocco, ma in un percorso di cui Manzoni dava notizia addirittura al papa Pio VII in una lettera dell’ottobre 1809: [Alessandro Manzoni] Cattolico del regno Italico, ed [Enrichetta Blondel] di Religione detta riformata della Comunione di Ginevra, riempite le formalità civili, sonosi congiunti in matrimonio innanzi ad un ministro della sud[dett]a Religione riformata. Da tal unione è nata una fanciulla la quale è stata battezzata cattolicamente, secondo il rito della S. Romana Chiesa. L’Oratore Cattolico […] ora è disposto a riparare il suo fallo secondo li principj della S. Religione Cattolica.
Quindi è, che godendo Egli piena libertà dell’esercizio di sua Cattolica Religione, e dell’educazione della prole dell’uno, e dell’altro sesso, secondo la stessa Cattolica Religione, ed essendo rimosso ogni pericolo di sua sovversione, col consenso della sud[dett]a sua compagna, pentito del fallo commesso, implora dall’Autorità Apostolica un opportuno riparo, capace di render tranquilla la di lui Coscienza, e di cancellare ogni sinistra idea ne’ Cattolici, fra’ quali debbono ambedue legittimamente congiunti.
Il percorso di conversione sarebbe proseguito negli anni seguenti fino alla confessione il 28 agosto 1811, il giorno di sant’Agostino, un grande convertito. Al Giubileo Manzoni non partecipò, probabilmente per freddezza non nei confronti della religione cattolica, ma piuttosto dello Stato pontificio. La produzione letteraria manzoniana non conserva memoria di questo importante evento della storia della Chiesa.
Nel 1825 papa Leone XII emanò anche una nuova disposizione in materia di ordinamento degli studi: la Quod divina sapientia organizzava la gioventù in una prospettiva di ritorno alla tradizione e alla pedagogia tenendo conto anche dei cambiamenti avvenuti. Alla fine del 1824 vennero emanati editti che prescrivevano disposizioni atte a garantire atteggiamenti morigerati e rigorosi a Roma durante l’Anno Santo.
Nell’aprile del 1825 Bartolomeo Pacca propose di chiamare a Roma gli apologeti di tutti i popoli affinché l’Anno Santo si tramutasse nell’occasione di raccogliere attorno alla Chiesa tutti i difensori contro l’indifferentismo, contro i carbonari e contri i massoni. Non a caso nello stesso anno venne pubblicata l’enciclica Quo graviora contro i massoni e i carbonari che sottolineava la rottura che i movimenti carbonari e massonici avevano attuato nei confronti della Chiesa e, quindi, l’incompatibilità tra l’appartenenza alla Chiesa e alla massoneria.
Fu tramandata memoria che partecipassero al Giubileo trecento settantacinque mila pellegrini, ma probabilmente la cifra è esagerata. L’Anno Santo non ebbe il successo che il papa si aspettava e la partecipazione fu più su scala nazionale che internazionale.
Fu l’ultimo effettivo Giubileo celebrato nell’Ottocento. Nel 1850, infatti, papa Pio IX, Giovanni Mastai Ferretti, era esule a Gaeta, ospite del re di Napoli Ferdinando II, da dove sarebbe rientrato a Roma solo nell’aprile. Era fuggito dalla città il 24 novembre 1848, l’anno delle grandi rivoluzioni europee. Nel febbraio del 1849 venne proclamata la Repubblica romana che rimase in vigore fino a novembre. Il papa indisse un Giubileo, che fu un invito alla penitenza e alla preghiera. Roma non fu centro delle celebrazioni né tantomeno dei pellegrinaggi.
Venticinque anni più tardi, lo stesso Pio IX, il papa che rimase più a lungo sul soglio pontificio nella storia della Chiesa, annunciò il Giubileo la vigilia di Natale del 1874 con la Bolla «Gravibus ecclesiae sed huius saeculi calamitatis». Non fece però aprire le Porte sante per evitare scontri con gli anticlericali. Dopo la breccia di Porta Pia del 1870 la Chiesa aveva perso il potere temporale e dichiarava che il proprio Stato era occupato.
Il papa concesse l’indulgenza a tutti i fedeli che avessero visitato tre chiese dei loro luoghi di origine in tutto il mondo. L’11 febbraio 1875 avvenne l’inaugurazione: erano presenti il pontefice e il clero di Roma. Non ci furono pellegrinaggi solenni. Il papa si dichiarava prigioniero di re Vittorio Emanuele II. Una comitiva costituita da illustri cattolici di tanti Stati del mondo giunse a Roma a fargli visita il 12 aprile. (pubblicato su La nuova bussola quotidiana del 7-4-2025)
Risvolto-Etty Hillesum-DIARIO-1941-1942 -ADELPHI EDIZIONI-All’inizio di questo Diario, Etty è una giovane donna di Amsterdam, intensa e passionale. Legge Rilke, Dostoevskij, Jung. È ebrea, ma non osservante. I temi religiosi la attirano, e talvolta ne parla. Poi, a poco a poco, la realtà della persecuzione comincia a infiltrarsi fra le righe del diario. Etty registra le voci su amici scomparsi nei campi di concentramento, uccisi o imprigionati. Un giorno, davanti a un gruppo sparuto di alberi, trova il cartello: «Vietato agli ebrei». Un altro giorno, certi negozi vengono proibiti agli ebrei. Un altro giorno, gli ebrei non possono più usare la bicicletta. Etty annota: «La nostra distruzione si avvicina furtivamente da ogni parte, presto il cerchio sarà chiuso intorno a noi e nessuna persona buona che vorrà darci aiuto lo potrà oltrepassare». Ma, quanto più il cerchio si stringe, tanto più Etty sembra acquistare una straordinaria forza dell’anima. Non pensa un solo momento, anche se ne avrebbe l’occasione, a salvarsi. Pensa a come potrà essere d’aiuto ai tanti che stanno per condividere con lei il «destino di massa» della morte amministrata dalle autorità tedesche. Confinata a Westerbork, campo di transito da cui sarà mandata ad Auschwitz, Etty esalta persino in quel «pezzetto di brughiera recintato dal filo spinato» la sua capacità di essere un «cuore pensante». Se la tecnica nazista consisteva innanzitutto nel provocare l’avvilimento fisico e psichico delle vittime, si può dire che su Etty abbia provocato l’effetto contrario. A mano a mano che si avvicina la fine, la sua voce diventa sempre più limpida e sicura, senza incrinature. Anche nel pieno dell’orrore, riesce a respingere ogni atomo di odio, perché renderebbe il mondo ancor più «inospitale». La disposizione che ha Etty ad amare è invincibile. Sul diario aveva annotato: «“Temprato”: distinguerlo da “indurito”». E proprio la sua vita sta a mostrare quella differenza.
In copertina-Etty Hillesum ritratta nella sua stanza (1937).
Etty Hillesum
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Alaíde Foppa (1914-1980)–nació el 3 de diciembre de 1914 en Barcelona, con un destino tan brillante como trágico. Vivió unos años en Argentina, y pasó su adolescencia en Italia, país de origen de su padre. También estuvo un tiempo en Guatemala, donde obtuvo la ciudadanía a través de su marido. Por cuestiones políticas, debió exiliarse a México por un tiempo. Allí trabajó como profesora en la Facultad de Filosofía y Letras, a cargo de la cátedra de Literatura Italiana. Apoyó fervientemente los movimientos feministas; fundó la revista FEM y colaboró por distintos medios contra la represión de la mujer. En la década del 70, reflejó la profunda tristeza por la muerte de sus hijos y su marido en una serie de poemas muy conmovedores. Al regresar de su exilio, en 1980, fue secuestrada y nunca volvieron a verla. Su labor como poetisa lo comenzó quizás en Italia, donde también realizó sus estudios universitarios. Entre sus poemarios más destacados se encuentran “La sin Ventura”, “Aunque es de noche” y “Elogio de mi cuerpo”. De este último podemos apreciar “El corazón” y “Las manos“. También incursionó en la crítica de arte, promoviendo el trabajo de jóvenes artistas, y en la traducción de poesía francesa e italiana.
Adios
Con los ojos de la despedida
os vi aquel día,
cosas de nuestra vida.
Con los ojos de la despedida,
la vida parecía
una cosa perdida.
La casa estaba vacía
en la hora de la despedida,
y sin embargo quedaban
las cosas de nuestra vida.
Dicen que es del tamaño
de mi puño cerrado.
Pequeño, entonces,
pero basta
para poner en marcha
todo ésto.
Es un obrero
que trabaja bien
aunque anhele el descanso,
y es un prisionero
que espera vagamente
escaparse.
Las manos
Mis manos,
débiles, inciertas,
parecen
vanos objetos
para el brillo de los anillos,
sólo las llena
lo perdido,
se tienden al árbol
que no alcanzan,
pero me dan el agua
de la mañana,
y hasta el rosado
retoño de mis uñas
llega el latido.
Oraciòn
Dame, señor
un silencio profundo
y un denso velo
sobre la mirada.
Así seré un mundo
cerrado:
una isla oscura;
cavaré en mí misma dolorosamente
como en tierra dura
Y cuando me haya desangrado
ágil y clara será mi vida
Entonces, como río sonoro y transparente,
fluirá libremente
el canto encarcelado.
Destierro
Mi vida
es un destierro sin retorno.
No tuvo casa
mi errante infancia perdida,
no tiene tierra
mi destierro.
Mi vida navegó
en nave de nostalgia.
Viví a orillas del mar
mirando el horizonte:
hacia mi casa ignorada
pensaba zarpar un día,
y el presentido viaje
me dejó en otro puerto de partida.
¿Es el amor, acaso,
mi última rada?
Oh brazos que me hicieron prisionera,
sin darme abrigo…
También del cruel abrazo
quise escaparme.
Oh huyentes brazos,
que en vano buscaron mis manos…
Incesante fuga
y anhelo incesante
el amor no es puerto seguro.
Ya no hay tierra prometida
para mi esperanza.
Ella se siente.
Ella se siente a veces
como cosa olvidada
en el rincón oscuro de la casa
como fruto devorado adentro
por pájaros rapaces,
como sombra sin rostro y sin peso.
Su presencia es apenas
vibración leve
en el aire inmóvil.
Siente que la traspasan las miradas
y que se vuelve niebla
entre los torpes brazos
que intentan circundarla.
Quisiera ser siquiera
una naranja jugosa
en la mano de un niño
-no corteza vacía-
una imagen que brilla en el espejo
-no sombra que se esfuma-
y una voz clara
-no pesado silencio-
alguna vez escuchada.
Los Pies
Ya que no tengo alas,
me bastan
mis pies que danzan
y que no acaban
de recorrer el mundo.
Por praderas en flor
corrió mi pie ligero,
dejó su huella
en la húmeda arena,
buscó perdidos senderos,
holló las duras aceras
de las ciudades
y sube por escaleras
que no sabe a donde llegan.
Alaíde Foppa (1914-1980)-Poetessa, scrittrice e traduttrice guatemalteca. Esule in Messico ,Alaíde Foppa ,Poetessa guatemalteca vi fondò la rivista femminista “Fem”. Tornata in Guatemala per rinnovare il passaporto dopo l’assassinio del figlio, guerrigliero nella EGP, fu rapita in pieno giorno dai corpi paramilitari e presumibilmente assassinata.
IL TEMPO, IV
La mattina mi fa male.
Vorrei
fosse già notte
e il giorno
un’altra goccia
di passato
un’esigenza in meno
di risposta.
Preferisco la notte
che perdona
la mia stanchezza
e promette sogni.
—————————————————–
Parole di carne e ossa : Alaide Foppa
Costa poco la parola, anzi, non costa nulla. Tanto, la si dice soltanto e dire non è fare. Dire non vale. Non è vincolante. Non è una promessa. Si può sempre tornare indietro, tanto l’ho solo detto. Siamo abituati a poter dire tutto ciò che vogliamo senza temere alcuna conseguenza e infatti diciamo tutto, siamo circondati di parole e produciamo in continuazione fiumi di parole, parliamo senza fine, senza pensare, scriviamo, leggiamo, pensiamo, le parole non ci lasciano mai in pace ( e nemmeno noi a loro concediamo un attimo di tregua), ci girano sempre intorno, le sentiamo, ma non le ascoltiamo e se le ascoltassimo, scopriremmo che il più delle volte non significano nulla. Tutto è possibile, tutte le parole sono permesse e in questo fiume traboccante le parole non si distinguono più.
Nell’arco di un’ora, si afferma tutto e il contrario di tutto, si parla, si mente, si dimentica ciò che si è appena detto ( e ciò che hanno detto gli altri ), tanto, dire non è fare, la parola non costa nulla e come tutto ciò che non ha un costo, vale poco. Mentre lentamente stiamo soffocando in quel mare di parole senza senso, prive di contenuto che produciamo in ogni istante, le nostre amate chiacchiere, in altre parti del mondo – e in altri tempi – per una parola sola, si può finire in carcere o addirittura perdere la propria vita. Lo so che questa non è una novità. Non è un’ affermazione originale, anzi, lo sanno tutti. Sto facendo del moralismo? E’ come quando si osa dire che noi mangiamo fino al vomito mentre altrove ogni trenta secondi si muore per mancanza di cibo? Non si può dire questo, perché tanto si sa? Perché tanto non cambia nulla. Perché tanto…
Ma non parlo della fame nel mondo. Parlo di chi ha perso la vita per aver detto la sua parola. Perché una parola non è solo una parola, ma è già un atto. Dire è fare. Ogni parola crea una nuova realtà. Dipende da noi.
(Questo non è un bel testo, non è scritto bene e non dice nulla di nuovo. Eppure non intendo limarlo. Non ho in questo momento alcuna voglia di scrivere un bel testo molto originale e very sophisticated, perché la mia stessa abilità di manovrare le parole, come di volta in volta conviene, mi spaventa. Mi è sospetta. Io, donna di lettere che ha condotto tutta la sua vita nella o con la parola, talvolta non mi fido più di me stessa.
Alaide Foppa : Tre poesie
Alaide Foppa (*1914) fu rapita il 19.12.1980 in Guatemala. Da allora non si ha più notizie di lei.
Nata in Italia da madre guatemalteca e padre argentino, trascorse la sua infanzia e gioventù in Italia e Belgio. Sposa Alonso Solórzano, un giurista che, negli anni ’50 fu membro di due governi in Guatemala. Nei tempi della dittatura, la famiglia chiede asilo politico in Messico.
Alaide Foppa fu una donna emancipata che, oltre ad occuparsi dei suoi 5 figli, fu poetessa, professoressa universitaria per italianistica, nonché traduttrice dei sonetti di Michelangelo, fondatrice della rivista “ Fem” e fondatrice di una cattedra per sociologia femminile all’università di città del Messico.
Nonostante la sua appartenenza alla borghesia, Foppa, una convinta femminista e al contempo una donna elegante dei gusti raffinati, si schiarò per la sinistra. Tre dei suoi figli appartenevano alla Guerillia guatemalteca. Poco tempo dopo che fu ucciso il suo figlio Juan Pablo, Foppa sparì insieme al suo autista.
Si presume che in Guatemala sono spariti durante gli anni delle vari guerre civili più di 45.000 persone.
Señor, estamos solos,
Señor, estamos solos,
Yo, frente a Ti:
Diálogo imposible.
Grave es tu presencia
Para mi solitario amor.
Escucho tu llamada
Y no sé responderte.
Vive sin eco y sin destino
El amor que sembraste:
Sepultada semilla
Que no encuentra el camino
Hacia la luz del día.
En mi pecho encendiste
Una llama sombría
¿Por qué señor,
no me consumes entera,
si no hay para tu amor
otra respuesta
que mi callada espera?
Signore, siamo soli
Signore, siamo soli
di fronte a Te :
Dialogo impossibile.
Grave è la tua presenza
per il mio amore solitario.
Ascolto la tua chiamata
e non so risponderti.
Vive senza eco e senza destino
l’amore che tu hai seminato:
seme sepolto
che non trova la via
verso la luce del giorno.
Nel mio petto hai acceso
una fosca fiamma.
Perché, Signore
non mi consumi tutta
se al tuo amore non c’è
altra risposta
che la mia silenziosa speranza?
Oraciòn
Dame, señor
un silencio profund
y un denso velo
sobre la mirada.
Así seré un mundo
cerrado:
una isla oscura;
cavaré en mí misma dolorosamente
como en tierra dura
Y cuando me haya desangrado
ágil y clara será mi vida
Entonces, como río sonoro y transparente,
fluirá libremente
el canto encarcelado.
Preghiera
Dammi, oh Signore,
un silenzio profondo
e un denso velo
sugli occhi.
E un mondo si chiuderebbe:
un isola oscura;
scaverò dentro me stessa dolorosamente
come nella terra dura.
E quando sarò dissanguata,
agile e chiara sarà la mia vita.
E come un fiume sonoro e trasparente
scorrerà liberamente
il canto imprigionato.
Ella se siente a veces
como cosa olvidada
en el rincón oscuro de la casa
como fruto devorado adentro
por los pájaros rapaces,
como sombra sin rostro y sin peso.
Su presencia es apenas
vibración leve
en el aire inmóvil.
Siente que la traspasan las miradas
y que se vuelve niebla
entre los torpes brazos
que intentan circundarla.
Quisiera ser siquiera
una naranja jugosa
en la mano de un niño
-no corteza vacía-
una imagen que brilla en el espejo
-no sombra que se esfuma-
y una voz clara
-no pesado silencio-
alguna vez escuchada.
Talvolta si sente
come una cosa dimenticata
nell’ angolo oscuro della casa
come frutto divorato di dentro
da uccelli rapaci,
come ombra senza faccia né peso.
La sua presenza è appena
una lieve vibrazione
nell’aria immobile.
Si sente trapassare dagli sguardi
e diventare nebbia
tra le goffe braccia
che la cingono.
Può darsi che voglia essere qualcosa,
un’arancia succosa
nella mano di un bambino
– non una buccia vuota –
un’immagine che brilla nello specchio
– non un’ ombra che svanisce –
e una voce chiara
– non il pesante silenzio –
qualche volta ascoltata.
( dallo Spagnolo di Susanne Detering)
Fonte- La poesia e lo spirito (Lpels) è un blog collettivo di letteratura e società, democratico, aperto, sensibile alle istanze autentiche di rinnovamento culturale, sociale, economico e politico. Fondato da Fabrizio Centofanti come blog personale nel 2006, diventa collettivo con il contributo di Antonella Pizzo e soprattutto di Franz Krauspenhaar. Universalmente noto per la sua capacità di accoglienza, Lpels ha ospitato e ospita contributi di grande spessore – facilmente raggiungibili attraverso la funzione “ricerca”. Aspira, in tal modo, a essere una presenza efficace nel panorama culturale italiano e possibilmente uno strumento di cambiamento e di trasformazione delle strutture di potere, spesso ingiuste e indegne dei valori umani in cui la persona si riconosce in ogni spazio e in ogni tempo, al di là di credenze e tessere politiche.
Alaíde Foppa ,Poetessa guatemalteca.
Breve biografia di Alaíde Foppa (1914-1980)-Poetessa, scrittrice e traduttrice guatemalteca. Esule in Messico ,Alaíde Foppa ,Poetessa guatemalteca vi fondò la rivista femminista “Fem”. Tornata in Guatemala per rinnovare il passaporto dopo l’assassinio del figlio, guerrigliero nella EGP, fu rapita in pieno giorno dai corpi paramilitari e presumibilmente assassinata.
AA.VV-Il loro grido è la mia voce. Poesie da Gaza- FAZI EDITORE-
Poesie da Gaza-Fazi Editore–La poesia come atto di resistenza. La forza delle parole come tentativo di salvezza. È questo il senso più profondo delle trentadue poesie di autori palestinesi raccolte in questo volume, in gran parte scritte a Gaza dopo il 7 ottobre 2023, nella tragedia della guerra in Palestina, in condizioni di estrema precarietà: poco prima di essere uccisi dai bombardamenti, come ultima preghiera o testamento poetico (Abu Nada, Alareer), mentre si è costretti ad abbandonare la propria casa per fuggire (al-Ghazali), oppure da una tenda, in un campo profughi dove si muore di freddo e di bombe (Elqedra). Come evidenzia lo storico israeliano Ilan Pappé nella prefazione, «scrivere poesia durante un genocidio dimostra ancora una volta il ruolo cruciale che la poesia svolge nella resistenza e nella resilienza palestinesi. La consapevolezza con cui questi giovani poeti affrontano la possibilità di morire ogni ora eguaglia la loro umanità, che rimane intatta anche se circondati da una carneficina e da una distruzione di inimmaginabile portata». Queste poesie, osserva Pappé, «sono a volte dirette, altre volte metaforiche, estremamente concise o leggermente tortuose, ma è impossibile non cogliere il grido di protesta per la vita e la rassegnazione alla morte, inscritte in una cartografia disastrosa che Israele ha tracciato sul terreno». «Ma questa raccolta non è solo un lamento», nota il traduttore Nabil Bey Salameh. «È un invito a vedere, a sentire, a vivere. Le poesie qui tradotte portano con sé il suono delle strade di Gaza, il fruscio delle foglie che resistono al vento, il pianto dei bambini e il canto degli ulivi. Sono una testimonianza di vita, un atto di amore verso una terra che non smette di sognare la libertà. In un mondo che spesso preferisce voltare lo sguardo, queste poesie si ergono come fari, illuminando ciò che rimane nascosto». Perché la scrittura, come ricordava Edward Said, è «l’ultima resistenza che abbiamo contro le pratiche disumane e le ingiustizie che sfigurano la storia dell’umanità».
AA.VV-Il loro grido è la mia voce. Poesie da Gaza- FAZI EDITORE-
Il libro è anche un’iniziativa concreta di solidarietà verso la popolazione palestinese. Per ogni copia venduta Fazi Editore donerà 5 euro a EMERGENCY per le sue attività di assistenza sanitaria nella Striscia di Gaza.
«Posso scrivere una poesia / con il sangue che sgorga». Yousef Elqedra
«La libertà per cui moriamo / non l’abbiamo mai sentita». Haidar al-Ghazali
«La poesia nella mia prigione / È nutrimento / È acqua e aria». Dareen Tatour
«Se devo morire, / che porti speranza, / che sia una storia».
Refaat Alareer
«Leggete queste poesie non solo con gli occhi, ma con l’anima. Ascoltate la loro musica, il loro ritmo sottile. Che siano per voi un ponte verso la comprensione, un inno alla dignità, e un ricordo che la bellezza, anche nelle situazioni più difficili, può ancora fiorire». dalla nota del traduttore Nabil Bey Salameh
«Forse questa raccolta contribuirà a erodere in qualche misura lo scudo di silenzio e disinteresse che garantisce immunità ai responsabili del genocidio a Gaza». dalla prefazione di Ilan Pappé
«Non credete che nel Consiglio di Sicurezza dell’ONU anziché i paesi che hanno la bomba atomica sarebbe più giusto mettere quelli che sono riusciti pur massacrati dai bombardamenti a scrivere queste poesie bellissime?». Luciana Castellina
Curata da Antonio Bocchinfuso, Mario Soldaini e Leonardo Tosti, questa raccolta propone una selezione di poesie di dieci autori palestinesi: Hend Joudah, Ni’ma Hassan, Yousef Elqedra, Ali Abukhattab, Dareen Tatour, Marwan Makhoul, Yahya Ashour, Heba Abu Nada (uccisa nell’ottobre 2023), Haidar al-Ghazali e Refaat Alareer (ucciso nel dicembre 2023). Il volume è arricchito da una prefazione dello storico israeliano Ilan Pappé e da due interventi firmati dalla scrittrice Susan Abulhawa, autrice del romanzo bestseller Ogni mattina a Jenin, e dal giornalista premio Pulitzer Chris Hedges, ex corrispondente di «The New York Times» da Gaza.
A cura di Antonio Bocchinfuso, Mario Soldaini, Leonardo Tosti Prefazione di Ilan Pappé Con interventi di Susan Abulhawa e Chris Hedges
Traduzione dall’arabo di Nabil Bey Salameh Traduzione dall’inglese di Ginevra Bompiani ed Enrico Terrinoni
AA.VV-Il loro grido è la mia voce. Poesie da Gaza- FAZI EDITORE-
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Libero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTI
Articolo di Ugo OJETTI scritto per la Rivista PAN n°6 del 1934
Biografia di Libero Andreotti nacque a Pescia il 15 giugno 1875.Dagli otto ai diciassette anni lavorò nell’officina di un fabbro, frequentando un corso per il conseguimento del diploma di maestro elementare.
A Lucca incontrò Alfredo Caselli e Giovanni Pascoli stimolano i suoi interessi artistici e culturali.
Nel frattempo lo zio Ferruccio Orsi gli trovò un impiego presso la Libreria Sandron di Palermo; qui lo assunse il Principe Tasca di Cutò come redattore e illustratore del settimanale La battaglia.
Nel 1899 si recò a Firenze dove iniziò l’attività di caricaturista, illustratore e pittore. Strinse amicizia con Enrico Sacchetti che gli dedicò il libro Vita d’artista e con lo scultore Mario Galli nel cui studio iniziò a modellare piccole statuine colorate.
Trasferitosi a Milano si occupò di scultura, catturando l’attenzione del noto pittore Vittore Grubicy che iniziò ad occuparsi della sua carriera.
Nel 1905 espose per la prima volta alla Biennale di Venezia e due anni dopo si stabilì a Parigi; qui presentò una quarantina di dipinti alla mostra sui divisionisti italiani organizzata dallo stesso Grubicy nella Serre de l’Alma.
Nel 1911 si tenne la sua prima grande mostra alla Galerie Bernheim Jeune, dove espose 51 opere. Tre anni più tardi, con lo scoppio della guerra, decise di tornare a Firenze dove strinse una grande amicizia con Ugo Ojetti che lo introdusse nei maggiori centri artistici del Nord Italia.
Molte delle opere eseguite tra il 1914 e il ’21 furono acquistate da Ojetti che nel 1920 gli dedicò un importante saggio su “Dedalo”.
Nel 1923 sposò Margherita Carpi. L’anno successivo eseguì il monumento ai caduti di Saronno, in maggio vinse il concorso per il monumento alla Madre italiana per la chiesa di Santa Croce a Firenze.
Con Carena e Alberto Magnelli, nel 1929 dette vita a Firenze ai “mercoledì dell’antico Fattore”, dal nome della trattoria punto di ritrovo di artisti, letterati e musicisti.L’anno seguente istituì il premio letterario dell’Antico Fattore.Libero Andreotti morì improvvisamente il 4 aprile 1934
Libero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTILibero ANDREOTTI e il Ritratto-Articolo di Ugo OJETTI scritto per la Rivista PAN n°6 del 1934
Libero Andreotti
Biografia-UGO OJETTI
Ugo Ojetti
Biografia di Ugo Ojetti –
Ugo Ojetti,Figlio della spoletina Veronica Carosi e del noto architetto Raffaello Ojetti, personalità di vastissima cultura, consegue la laurea in giurisprudenza e, insieme, esordisce come poeta (Paesaggi, 1892). È attratto dalla carriera diplomatica, ma si realizza professionalmente nel giornalismo politico. Nel 1894 stringe rapporti con il quotidiano nazionalista La Tribuna, per il quale scrive i suoi primi servizi da inviato estero, dall’Egitto.
Nel 1895 diventa immediatamente famoso con il suo primo libro, Alla scoperta dei letterati, serie di ritratti di scrittori celebri dell’epoca[1] redatti in forma di interviste, genere all’epoca ancora in stato embrionale. Scritto con uno stile che si pone fra la critica ed il reportage, il testo viene considerato, e come tale fa discutere, un momento di analisi profonda del movimento letterario dell’epoca. L’anno seguente Ojetti tiene a Venezia la conferenza “L’avvenire della letteratura in Italia”, che suscita un vasto numero di commenti in tutto il Paese.
I suoi articoli diventano molto richiesti: scrive per Il Marzocco (1896-1899), Il Giornale di Roma, Fanfulla della domenica e La Stampa. La critica d’arte occupa la maggior parte della sua produzione. Nel 1898 inizia la collaborazione con il Corriere della Sera, che si protrae fino alla morte.[2]
Tra il 1901 e il 1902 è inviato a Parigi per il Giornale d’Italia; dal 1904 al 1909 collabora a L’Illustrazione Italiana: tiene una rubrica intitolata “Accanto alla vita”, che poi rinomina “I capricci del conte Ottavio” (“conte Ottavio” è lo pseudonimo con cui firma i suoi pezzi sul settimanale). Nel 1905 si sposa con Fernanda Gobba e prende domicilio a Firenze; dal matrimonio tre anni dopo nasce la figlia Paola. Dal 1914 abiterà stabilmente nella vicina Fiesole. Invece trova nella villa paterna di Santa Marinella (Roma), soprannominata “Il Dado”, il luogo ideale in cui riposarsi, trascorrere le sue vacanze e scrivere le sue opere.
Partecipa come volontario alla prima guerra mondiale. All’inizio della guerra riceve l’incarico specifico di proteggere dai bombardamenti aerei le opere d’arte di Venezia. Nel marzo 1918 fu nominato “Regio Commissario per la propaganda sul nemico”. Fu incaricato di scrivere il testo del volantino, stampato in 350 000 copie in italiano e in tedesco, che fu lanciato il 9 agosto, dai cieli di Vienna dalla squadriglia comandata da Gabriele D’Annunzio.[3]
Nel 1920 fonda la sua rivista d’arte, Dedalo (Milano, 1920-1933), dove si occupa di storia dell’arte antica e moderna. Dall’impostazione della rivista dimostra una sensibilità e un modo di accostarsi all’arte e di divulgarla diversi dai canoni del tempo. La rivista diventa subito occasione d’incontro tra critici, intellettuali, artisti come Bernard Berenson, Matteo Marangoni, Piero Jahier, Antonio Maraini, Ranuccio Bianchi Bandinelli, Pietro Toesca, Lionello Venturi e Roberto Longhi. L’idea di base della rivista è che l’opera d’arte abbia valore di testimonianza visibile della storia e delle civiltà più di ogni altra fonte. Nel 1921 avvia una rubrica sul Corriere utilizzando lo pseudonimo “Tantalo”. Tiene la rubrica ininterrottamente fino al 1939.
Sul finire del decennio inaugura una nuova rivista, Pegaso (Firenze, 1929-1933). Infine, lancia la rivista letteraria Pan, fondata sulle ceneri della precedente esperienza fiorentina. Tra il 1925 e il 1926 collabora anche a La Fiera Letteraria. Tra il 1926 ed il 1927 è direttore del Corriere della Sera.
È tra i firmatari del Manifesto degli intellettuali fascisti nel 1925 ed è nominato Accademico d’Italia nel 1930. Fa parte fino al 1933 del consiglio d’amministrazione dell’Enciclopedia Italiana. Ojetti organizza numerose mostre d’arte e dà vita ad importanti iniziative editoriali, come Le più belle pagine degli scrittori italiani scelte da scrittori viventi per l’editrice Treves e I Classici italiani per la Rizzoli. Sul significato dell’architettura nelle arti ebbe a dire:
«l’architettura è nata per essere fondamento, guida, giustificazione e controllo, ideale e pratico, d’ogni altra arte figurativa»
La finestra di Ojetti a villa Il Salviatino con una targa che lo ricorda
Collaborò anche con il cinema: nel 1939 firmò l’adattamento per la prima edizione sonora de I promessi sposi, che costituì la base della sceneggiatura per il film del 1941 di Mario Camerini.
Aderì alla Repubblica Sociale Italiana[4]; dopo la liberazione di Roma, nel 1944, fu radiato dall’Ordine dei giornalisti. Passò gli ultimi anni nella sua villa Il Salviatino, a Fiesole, dove morì nel 1946.
Antonio Gramsci scrisse che « la codardia intellettuale dell’uomo supera ogni misura normale ». Indro Montanelli lo ricordò sul: « È un dimenticato, Ojetti, come in questo Paese lo sono quasi tutti coloro che valgono. Se io dirigessi una scuola di giornalismo, renderei obbligatori per i miei allievi i testi di tre Maestri: Barzini, per il grande reportage; Mussolini (non trasalire!), quello dell’Avanti! e del primo Popolo d’Italia, per l’editoriale politico; e Ojetti, per il ritratto e l’articolo di arte e di cultura ».
Opere
Letteratura
Paesaggi (1892)
Alla scoperta dei letterati: colloquii con Carducci, Panzacchi, Fogazzaro, Lioy, Verga (Milano, 1895); ristampa xerografica, a cura di Pietro Pancrazi, Firenze, Le Monnier, 1967.
Scrittori che si confessano (1926),
Ad Atene per Ugo Foscolo. Discorso pronunciato ad Atene per il centenario della morte, Milano, Fratelli Treves Editori, 1928.
Profondo conoscitore ed appassionato studioso d’arte, Ugo Ojetti ha pubblicato sull’argomento diversi importanti libri:
L’esposizione di Milano (1906),
Ritratti d’artisti italiani (in due volumi, 1911 e 1923),
Il martirio dei monumenti, 1918
I nani tra le colonne, Milano, Fratelli Treves Editori, 1920
Raffaello e altre leggi (1921),
La pittura italiana del Seicento e del Settecento (1924),
Il ritratto italiano dal 1500 al 1800 (1927),
Tintoretto, Canova, Fattori (1928),
Atlante di storia dell’arte italiana, con Luigi Dami (due volumi, 1925 e 1934),
Paolo Veronese, Milano, Fratelli Treves Editori, 1928,
La pittura italiana dell’Ottocento (1929),
Bello e brutto, Milano, Treves, 1930
Ottocento, Novecento e via dicendo (Mondadori, 1936),
Più vivi dei vivi (Mondadori, 1938).
In Italia, l’arte ha da essere italiana?, Milano, Mondadori, 1942.
Romanzi
L’onesta viltà (Roma, 1897),
Il vecchio, Milano, 1898
Il gioco dell’amore, Milano, 1899
Le vie del peccato (Baldini e Castoldi, Milano, 1902),
Il cavallo di Troia, 1904
Mimì e la gloria (Treves, 1908),
Mio figlio ferroviere (Treves, 1922).
Racconti
Senza Dio, 1894
Mimì e la gloria, 1908
Donne, uomini e burattini, Milano, Treves, 1912
L’amore e suo figlio, Milano, Treves, 1913
Teatro
Un Garofano (1902)
U. Ojetti-Renato Simoni, Il matrimonio di Casanova: commedia in quattro atti (1910)
Reportages
L’America vittoriosa (Treves, 1899),
L’Albania (Treves, 1902); nuova edizione, con cartina originale “La Grande Albania”, in Ugo Ojetti, Olimpia Gargano (a cura di), L’Albania, Milano, Ledizioni, 2017.
L’America e l’avvenire (1905).
Raccolte di articoli
Articoli scritti fra il 1904 e il 1908 per L’Illustrazione Italiana: I capricci del conte Ottavio (due voll., usciti rispettivamente nel 1908 e nel 1910)
Articoli per il Corriere della Sera: Cose viste (7 voll.: I. 1921-1927; II. 1928-1943). L’opera è stata anche tradotta in lingua inglese.
Memorie e taccuini
Confidenze di pazzi e savi sui tempi che corrono, Milano, Treves, 1921.
Vita vissuta, a cura di Arturo Stanghellini, Milano, Mondadori, 1942.
I Taccuini 1914-1943, a cura di Fernanda e Paola Ojetti, Firenze, Sansoni, 1954. [edizione censurata, con molti passi espunti]
Ricordi di un ragazzo romano. Note di un viaggio fra la vita e la morte, Milano, 1958.
I taccuini (1914-1943), a cura di Luigi Mascheroni, prefazione di Bruno Pischedda, Torino, Aragno, 2019, ISBN 978-88-841-9989-8.
Aforismi
Ojetti è celebre anche per i suoi aforismi, massime e pensieri, molti dei quali sono raccolti nei 352 paragrafi di Sessanta, volumetto scritto dall’autore nel 1931 per i suoi sessant’anni e pubblicato nel 1937 da Mondadori.
Lettere
Venti lettere, Milano, Treves, 1931.
Lettere alla moglie (1915-1919), a cura di Fernanda Ojetti, Firenze, Sansoni, 1964.
Intitolazioni
Presso il Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi si è tenuta una mostra dedicata alle fotografia scattate per la rivista e che costituiscono il Fondo Ojetti.[7]
Fiumicino-Maccarese (Roma)- Weekend al Museo del Saxofono tra jazz mediterraneo e suoni elettronici –
Jazz, elettronica e visite guidate al Museo del Saxofono il 12 e 13 aprile. Concerto, apericena e possibilità d’ingresso gratuito. Scopri il programma completo.
Un weekend musicale tra sax, jazz e sperimentazione sonora. Dal 12 aprile 2025, il Museo del Saxofono di Maccarese ospita due serate speciali. Biglietti: 18€, orari: 20:00 e 21:00.
Due giorni all’insegna della musica dal vivo, tra jazz mediterraneo e musica elettroacustica contemporanea, animeranno il Museo del Saxofono sabato 12 e domenica 13 aprile 2025. Situato a Maccarese, a pochi chilometri da Roma, il museo conferma la sua vocazione di centro culturale attivo, capace di proporre esperienze sonore immersive e multidisciplinari.
Il Mediterranean Jazz Quartet si esibirà sabato 12 aprile alle ore 21:00, con un concerto dal titolo “Musiche, luoghi e tempi dell’anima”. Il quartetto — Francesco Bignami (pianoforte), Nicola Buffa (chitarra), Bruno Zoia (contrabbasso), Cesare Botta (batteria) — proporrà composizioni originali dal sapore mediterraneo, tratte da progetti discografici come Immagini di Roma e Sangue Latino. Alle ore 20:00, sarà possibile partecipare a un’apericena al costo di 17,00 €, mentre l’ingresso al concerto è di 18,00 € (più 1,00 € di prevendita su Liveticket.it).
Il concerto del Mediterranean Jazz Quartet mescola influenze latine, scale orientali e jazz moderno, per un risultato sonoro unico. Le composizioni, firmate dai membri del gruppo, esplorano le radici culturali del Mediterraneo in chiave jazzistica e improvvisativa. Il progetto prende spunto dal disco Una Favola Mediterranea, arricchito da brani dei precedenti album della band.
Come partecipare:
Concerto: sabato 12 aprile, ore 21:00
Biglietto: 18,00 € + 1,00 € prevendita su Liveticket.it
Apericena facoltativa: ore 20:00, € 17,00
Musica elettroacustica e arte concettuale: il concerto della domenica
Domenica 13 aprile, dalle ore 11:00, è prevista una visita guidata con performance live condotta dal direttore del museo Attilio Berni, sul tema “Il saxofono e le sue metamorfosi”. A seguire, alle ore 18:00, andrà in scena Echoes of the Time: un evento gratuito che propone un viaggio nei linguaggi contemporanei, tra voce, sax, viola ed elettronica.
Con Echoes of the Time, la programmazione cambia registro. Domenica 13 aprile alle ore 18:00, il museo ospita un concerto-performance con opere di Francesco Telli, Christian Banasik, Giorgio Nottoli e Giovanni Costantini. I temi toccano argomenti profondi come femminicidio, migrazione, trauma e interiorità.
Gli interpreti:
Virginia Guidi – voce
Luca Sanzò – viola
Enzo Filippetti – sax
Banasik e Nottoli – sound direction
L’evento è gratuito, previa prenotazione e acquisto del biglietto di ingresso al museo.
Visita guidata interattiva tra i sax più rari al mondo
Domenica mattina, dalle ore 11:00, sarà possibile partecipare a una visita guidata con intermezzi musicali dal vivo, condotta dal direttore Attilio Berni, fondatore del museo. La visita ripercorre la storia e l’evoluzione dello strumento, attraverso esemplari rari e unici, come il saxofono più grande e quello più piccolo mai costruiti.
Dove si trova il Museo del Saxofono e come arrivare
Via dei Molini snc (angolo via Reggiani), Maccarese, Fiumicino (RM)
Come arrivare:
Treno da Roma Termini a Maccarese-Fregene, poi taxi (5 min)
In auto, uscita Maccarese-Fregene dalla SS1 Aurelia
Parcheggio gratuito in zona
Info e prenotazioni: +39 06 61697862 / +39 320 2514087
Il Museo del Saxofono è il più grande centro espositivo al mondo dedicato al sassofono, con oltre 600 strumenti. Inaugurato nel 2019, è oggi un punto di riferimento internazionale per appassionati e musicisti.
-Franco Leggeri Fotoreportage-“Il Castello di Torre in Pietra”
Franco Leggeri Fotoreportage-Il Castello di Torre in Pietra, detto anche Castello Falconieri, è un castello situato a Torrimpietra, frazione del comune di Fiumicino, in provincia di Roma. Inizialmente il borgo era un castra attorniato da torri e da mura di cinta. Nel 1254 il castello era proprietà della famiglia normanna degli Alberteschi, poi passò agli Anguillara che, nel 1457, per mano di Lorenzo e Felice Anguillara, per 3000 ducati d’oro lo vendettero a Massimo di Lello di Cecco dei Massimo, quindi passò ai Peretti. Nel 1639 fu venduta ai principi Falconieri. Ferdinando Fuga realizzò la chiesa e lo scalone del piano nobile del castello, indi Pier Leone Ghezzi ne realizzò gli interni, perlopiù gli affreschi inerenti all’anno giubilare 1725. Il Castello che oggi ammiriamo è sostanzialmente quello che ci hanno lasciato i Falconieri. Gli affreschi sono perfettamente conservati: possiamo rivivere i fasti dell’anno giubilare 1725, quando il Ghezzi viene chiamato da Alessandro Falconieri a decorare il piano nobile con scene celebranti la visita al castello del Papa Benedetto XIII. All’interno della chiesa ottagonale, gli affreschi sugli altari laterali sono ulteriori testimonianze della sua opera. Infine, nella seconda metà dell’ottocento, i Falconieri si estinguono e Torre in Pietra conosce un’epoca di decadenza[2]. Nel 1926 passò al senatore Luigi Albertini che ne bonificò le terre secondo le moderne tecniche e la rese tra le più prestigiose aziende zootecniche italiane. Nel 1941 passò a sua figlia Elena Albertini, sposata con il conte Nicolò Carandini, i cui eredi tuttora risultano proprietari del castello-Fonte Wikipedia-
Foto di Franco Leggeri-Le foto del Castello di Torre in Pietra , sono stati scatti eseguiti per provare vari obiettivi e fotocamere Reflex-:NIKON e CANON-
il CASTELLO DI TORRE IN PIETRA
Castello di Torre in Pietra
Il Borgo di Torre in Pietra che sorge in una vasta zona agricola e boschiva protetta in antico da una “Turris in petra” poco distante e ancora esistente.
Il Borgo si identifica essenzialmente nella struttura denominata più specificamente “Castello” cioè l’insieme delimitato da mura, ma comprende anche alcuni edifici ai margini della cinta muraria, abitativi e commerciali (ristorante, cantina). Il Castello, che si ritiene sorga nel luogo della stazione romana Baebiana, ha origine medioevale e di quell’epoca conserva ancora quasi intatta la struttura rettangolare cinta da mura e definita da torri angolari.
Tra i vari edifici c’è il “Palazzo”, una residenza signorile risultato di interventi di ampliamento e di fusione di più edifici preesistenti ad opera delle famiglie Peretti e Falconieri. A difesa del castrum, al di sopra di un fossato ormai colmato, in direzione Roma, si erge una torre angolare con funzione abitativa e di avvistamento, che si affaccia sul cortile medioevale detto dei cavalli, dalla presenza della scuderia e della selleria. Un edificio seicentesco, a destinazione abitativa, è addossato al lato esterno delle mura, che ne costituiscono la facciata verso il giardino, e ingloba al suo interno una delle torri minori medioevali. Il giardino conserva una fontana seicentesca, tratti di basolato romano, platani e pini secolari.
Il Castello di Torre in Pietra nel 1254 è citato tra i possedimenti della nobile famiglia Normanni Alberteschi, poi diviene proprietà degli Anguillara e dei Massimo. Nel 1590 viene acquistato da Camilla Peretti, sorella di Papa Sisto V. Nei primi anni del 600 il Principe Michele Peretti fa costruire nel borgo fortificato una nuova, grande e sfarzosa residenza signorile dall’architetto Michele Peperelli.
Nel 1639 la tenuta e il Castello sono venduti ai Principi Falconieri, che chiamano a lavorare a Torre in Pietra due grandi ingegni del tempo: l’architetto Ferdinando Fuga, che realizza la chiesa e il nuovo scalone di accesso al piano nobile, e il pittore Pier Leone Ghezzi, che esegue gli affreschi nei saloni del piano nobile e su due altari della Chiesa, ancora oggi perfettamente conservati.
Nella seconda metà dell’800 i Falconieri si estinguono e Torre in Pietra conosce un’epoca di decadenza. Il castello passa nelle mani di diverse famiglie, tra le quali i Florio di Sicilia, fino a quando, nel 1926, diviene proprietà del Senatore Luigi Albertini che, insieme ai figli Leonardo ed Elena e al genero Nicolò Carandini, si impegna in un’imponente opera di bonifica della tenuta agricola e di restauro di castello, chiesa e borgo. I lavori sono condotti dall’architetto Michele Busiri Vici, con il contributo del pittore Eugenio Cisterna.
Dal 1990 i figli e nipoti eredi di Elena e Nicolò Carandini conservano e abitano il Castello, aperto a visite ed eventi, e conducono l’azienda agricola e la cantina.
Foto di Franco Leggeri-Le foto del Castello di Torre in Pietra , sono stati scatti eseguiti per provare vari obiettivi e fotocamere Reflex-:NIKON e CANON-
il CASTELLO DI TORRE IN PIETRA
Il Castello di Torre in Pietra è un meraviglioso complesso architettonico di origine Medioevale, con importanti testimonianze di architettura e pittura sei-Settecentesche. Sono ancora perfettamente conservati il fossato, la torre di guardia e le mura di cinta che abbracciano tutto il complesso, all’interno del quale, nel corso dei secoli, sono stati costruiti e trasformati diversi importanti edifici. Domina su tutto il palazzo Seicentesco, posto al centro del Borgo all’interno del quale, salendo al piano Nobile, si possono ammirare i magnifici affreschi, opera del pittore Pier Leone Ghezzi, che ha decorato le sale con una sequenza di paesaggi, trompe l’oeil, scene religiose, figure di nobili e chierici, figure allegoriche, stemmi, ritratti di Cardinali e di Papa Benedetto XIII. Davanti al palazzo un ampio cortile, in parte lastricato da basolato Romano, conduce a due grandi giardini, ombreggiati da platani e pini secolari, con al centro un’antica fontana. Sul lato destro si affaccia la bella Chiesa ottagonale di S. Antonio Abate, opera Settecentesca del celebre architetto Ferdinando Fuga, decorata anch’essa dal Ghezzi. Sulla sinistra, al piano terra di un altro edificio, si raggiunge la vasta Sala Peretti, con il suo imponente soffitto a volta e il bel camino, recentemente restaurata. Una cintura di boschi circonda e protegge il Castello che mantiene il suo carattere affascinante e segreto nonostante la sua vicinanza alla via Aurelia e a Roma.
La storia del Castello di Torre in Pietra L’attuale complesso di edifici ha origini Medioevali e si è costituito nella forma di un castrum, un villaggio agricolo fortificato attorno a una residenza signorile, secondo un modello di insediamento rurale molto diffuso all’epoca nella campagna Romana; lo si può veder ancora oggi osservando le torri, il bastione, il fossato e le mura di cinta.
Il primo documento nel quale si descrive questo insediamento con l’antico nome di “Castrum Castiglionis” è un testamento che risale al 1254, nel quale viene menzionato tra i beni che un Nobile della famiglia Romana dei Normanni Alberteschi lascia in eredità a uno dei suoi figli. Diventa in seguito proprietà degli Anguillara e dei Massimo.
Il nome di Torre in Pietra, che deriva da una Torre isolata costruita su un roccione di pietra nei pressi del castello, è indicato per la prima volta in una pianta del 1620 dove sono illustrate le tenute dei principi Peretti. Nel 1590, infatti, la tenuta venne acquistata da Camilla Peretti, sorella di Papa Sisto V°, e Michele Peretti, nipote del Papa, commissionò all’architetto Francesco Peperelli la costruzione di una nuova residenza signorile sui resti del castrum Medioevale.
Al piano Nobile alcune sale, secondo l’usanza del tempo, vennero rivestite con pannelli di cuoio decorato, altre affrescate. Il palazzo che noi oggi vediamo conserva ancora quasi intatto il suo impianto seicentesco e lo stemma Peretti campeggia ancora sul portone d’ingresso. Ma l’altissimo tenore di vita intaccò irrimediabilmente il loro patrimonio familiare e così, nel 1639, i Peretti dovettero vendere il castello e la tenuta al principe Orazio Falconieri.
I Falconieri, che ebbero Torre in Pietra tra i loro possedimenti per più di due Secoli, erano dei potenti banchieri che raggiunsero l’apice del potere e della ricchezza quando nel 1724 Alessandro, nipote di Orazio, fu nominato Cardinale dal Papa Benedetto XIII°. Tra il 1712 e il 1725, Alessandro volle mutare in parte l’aspetto seicentesco del Castello, chiamando due ingegni del suo tempo: l’architetto Ferdinando Fuga e il pittore Pier Leone Ghezzi. La chiesa Medioevale venne abbattuta e ricostruita su disegno del Fuga, che progettò anche il nuovo scalone d’ingresso al palazzo. Sia la Chiesa che i saloni del piano Nobile vennero poi affrescati dal Ghezzi.
Dal 1870 il castello e la tenuta passarono nelle mani di numerosi proprietari (i Carpegna, i Florio, la Società Bonifiche Agrarie) e conobbero un lungo periodo di abbandono, fino a quando nel 1926 divennero di proprietà del Senatore Luigi Albertini. Egli, avendo dovuto abbandonare la direzione del Corriere della Sera per la sua opposizione al fascismo, dedicò tutte le sue risorse a una imponente opera di bonifica dei terreni paludosi, di avvio di un’azienda agricola modello, e di restauro del castello, della chiesa e del borgo, coadiuvato dal figlio Leonardo Albertini e dal genero Nicolò Carandini.
Matrimoni al castello di Torre in Pietra Il castello è il luogo ideale per celebrare matrimoni religiosi nella Chiesa dedicata a S. Antonio Abate e, grazie alla convenzione con il Comune di Fiumicino, il rito del matrimonio civile.
Visite al castello e alla cantina Organizziamo anche visite guidate al Castello e alla Chiesa e, in collaborazione con la Cantina, degustazioni di vini e visite guidate della Cantina.
Torrimpietra è stata la quarantaseiesima zona di Roma nell’Agro romano, indicata con Z. XLVI, istituita con delibera del commissario straordinario n. 2453 del 13 settembre 1961 e soppressa con delibera del commissario straordinario n° 1529 dell’8 settembre 1993[2] a seguito dell’istituzione del comune di Fiumicino, avvenuta con legge regionale n. 25 del 6 marzo 1992.
Il toponimo deriva dalla Torre In Pietra, castello del XIII secolo.
Chiesa di Sant’Antonio Abate, su via Francesco Marcolini.
Chiesa di San Pietro
Chiesa della Misericordia
Economia
Fino alla fine degli anni novanta del Novecento l’economia comunale, tra cui l’allevamento di bovini, era legata principalmente all’azienda locale, denominata appunto Torre in Pietra, che produceva latte fresco pastorizzato e yogurt, un tempo appartenuta ai proprietari della Tenuta Torre in Pietra; lo storico marchio ha poi spostato la sua produzione altrove e oggi non è più legato alla realtà locale. È ancora in attività invece la produzione di vino nella storica cantina del castello[3].
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Comune di Mompeo (Rieti)–Rassegna “A Porte Aperte”-Dalla Musica alle stelle:musiche di Mozart e Boccherini-
Comune di Mompeo –Articolo di Giulia Mininni–Nell’ambito della rassegna “A Porte Aperte” del Comune di Mompeo con il supporto della Regione Lazio e la direzione artistica di Renato Giordano il giorno sabato 12 aprile, presso l’Auditorium S. Carlo alle ore 18,00 andrà in scena il concerto VICINI E LONTANI : MUSICHE Di BOCCHERINI E MOZART. Luigi Boccherini e Wolfgang Amadeus Mozart sono due compositori allo stesso tempo tanto vicini per l’epoca in cui hanno vissuto ma anche tanto lontani per lo stile ed il genere. La loro musica testimonia il passaggio dallo stile Barocco a quello Classico. Ma mentre Mozart crea una musica moderna e assolutamente originale, Boccherini continua a rimanere fedele ai canoni della musica galante e Rococò che si avvicina al Romanticismo in arrivo, mentre Mozart lancia il suo sguardo verso il Nuovo Mondo. Piccoli gioielli di musica da camera che non solo celebrano i due compositori che hanno scritto le pagine più belle per questo genere musicale, ma allo stesso tempo mettono in risalto le doti degli esecutori dell’Ensemble Crescendo . L’orchestra Ensemble Crescendo nasce dall’idea di Carla Tutino di valorizzare il repertorio da camera con contrabbasso si avvale di musicisti con esperienza che operano e lavorano insieme da anni in diverse realtà musicali sinfoniche e cameristiche. Gli artisti che suoneranno sono Roberto Baldinelli e Caterina Bono ( violini) Paola Emanuele (viola), Adriano Ancarani (violoncello) ,Carla Tutino (Contrabbasso). Il programma della giornata oltre al concerto prevede l’ apertura e la visita guidata all’osservatorio astronomico del castello Orsini Naro a cura del CNAI alle 15.30, ed alle ore 20.00 dopo il concerto , l’osservazione del cielo primaverile con telescopio nel giardino dell’auditorium S. Carlo.
Comune di Mompeo (Rieti)–Rassegna “A Porte Aperte”-
Sabato 12 aprile Programma: h. 15.30 apertura e visita guidata all’ Osservatorio astronomico Castello Orsini Naro a cura del CNAI (Centro nazionale Astroricercatori indipendenti), h. 18.00 Concerto “Vicini e Lontani” all’Auditorium S. Carlo. h. 20. 00 Osservazione del cielo primaverile con telescopio nel giardino dell’Auditorium . Ingresso Gratuito.
Descrizione del libro di Susanna Pozzoli -Venetian Way-Marsilio Editori-Un patrimonio di immagini del saper fare veneziano e veneto, uno straordinario omaggio alla città lagunare e alle sue maggiori realtà produttive in terraferma, raccolto in un volume perché non vada perduto e viva oltre i tempi e i modi del momento espositivo. Susanna Pozzoli è qui autrice a tutto tondo, avendo lavorato sia come fotografa sia come autrice dei testi: racconti brevi delle sue esperienze, professionali e umane, vissute nel tempo trascorso nelle ventuno botteghe e imprese artigiane di eccellenza, protagoniste speciali di questo lavoro autoriale. Aprono la pubblicazione una nota di Michelangelo Foundation e la prefazione di Franco Cologni. Un testo introduttivo di Toto Bergamo Rossi, direttore di Venetian Heritage Foundation, mette in risalto il valore storico e di patrimonio vivente che queste realtà incarnano per Venezia e il Veneto. La storica dell’arte Barbara Stehle è stata invitata a presentare l’aspetto artistico del progetto Venetian Way, esposto a Homo Faber 2018.
Susanna Pozzoli
Autore SUSANNA POZZOLI, fotografa italiana residente a Parigi, ha curato progetti espositivi di ampio respiro principalmente dedicati al savoir faire artigianale. La sua ricerca personale associa alla fotografia testi e video da lei realizzati. Nel 2018 crea Venetian Way, ampio lavoro esposto alla Fondazione Giorgio Cini di Venezia per Homo Faber. Nel 2019 è finalista del Premio Fondazione VAF ed espone al Museo MART di Rovereto la serie Casa Costanza. Incontro con Meret Oppenheim.
Conosco Susanna Pozzoli ormai da una decina di anni e trovo difficile collocare il suo lavoro in una tipologia fotografica. Credo che sia importante sottolineare che spesso i suoi lavori raccontano delle storie, in cui ci viene proposto di entrare. Ci interessa riuscire a ravvisare una “metodologia” operativa comune alle diverse storie. È importante qui sottolineare che Pozzoli racconta delle storie ma il suo lavoro nulla ha a che fare con il fotoreportage. Abbiamo, quindi, chiesto a Susanna se c’è un modus operandi comune, che la guida.
Susanna Pozzoli – La dimensione narrativa nel mio lavoro è molto presente ed è un fil rouge che seguo nel processo di lavoro. Molti dei progetti che ho sviluppato sono a cavallo tra la ricerca e la creazione: il racconto di un luogo reale che ho fotografato in un momento specifico, un’evocazione molto libera del suo passato grazie alle tracce che rimangono. Credo che le mie fotografie siano un po’ come uno schizzo che mostra giusto qualche elemento scelto. Non mi pongo mai come unico obiettivo quello di documentare o informare. Non sono né una giornalista, né un’artista che lavora in modo puramente astratto con la fotografia. Allo stesso tempo, mi rendo conto che l’estetica, la composizione, la buona esecuzione sono importanti per me. Sono esigente in questo senso e curo l’esecuzione e la stampa, che realizzo dal 2009 con lo stesso stampatore, Roberto Berné. Questo stare tra le discipline, non semplice per definirsi e a volte complicato anche per chi osserva il lavoro, è per me naturale, innato. Si è definito molto presto, continua a svilupparsi, cambia, ma resta una costante. Non sono alla ricerca della “bella immagine”, né di quella che cruda e diretta cerca una sorta di neutralità. La relazione tra le singole fotografie, il loro ordine, la presenza o meno di testi, di suoni o di oggetti in un’installazione sono fondamentali.
Quando l’idea di un progetto arriva, è sempre chiara e allo stesso tempo complessa e strutturata in più momenti: inizio con una fase di studio e documentazione; segue un periodo di riprese fotografiche, interviste o video, scrittura e si conclude con una lunga fase di selezione, rielaborazione, montaggio e creazione di un volume e/o di una mostra. I progetti sono sempre lunghi, a volte richiedono anni per vedere la luce e ovviamente, creando, incontrando la realtà, tutto prende una forma diversa da quella prevista nei miei progetti teorici elaborati e scritti. Ho sempre più lavori in corso e il ritmo è variabile. Sono lenta, molto, ho bisogno di far riposare le esperienze. Il materiale che alla fine mostro è una piccola parte del lavoro prodotto e scegliere cosa non mostrare per arrivare all’essenza di un racconto è molto importante e non istintivo. In questa fase mi avvalgo dell’occhio fresco e fidato di alcune persone che negli anni sono diventati i miei consiglieri. Ci sono progetti che per mancanza di fondi o per altre ragioni rimangono nel cassetto, sono stati pensati, studiati, fotografati, ma poi restano lì, in attesa del momento propizio o di quell’urgenza personale che li rende prioritari. Inutile dire che non sono legata al concetto di “attualità”.
Lavoro pensando a serie di immagini, quasi sempre correlate da altri elementi. Direi che ogni insieme è un racconto per frammenti.
I soggetti scelti, possono essere legati alla mia storia personale, o interessarmi per la loro unicità. Di solito un’idea diventa insistente e comincio a sondare, a leggere, oppure torno a fotografare lo stesso luogo, a prendere appunti, diventa un pensiero fisso, un asse di ricerca.
Un aspetto che mi interessa è la dimensione corale di ogni esperienza personale, allo stesso tempo unica, irripetibile e condivisibile, spesso simile a quella di altri, spesso legata a molte altre storie coeve. Davanti a un racconto in immagini, spero di risvegliare le emozioni personali di chi osserva. Il legame tra le esperienze umane affettive, la relazione tra persone e luoghi, gli oggetti amati o gli strumenti di lavoro/passione sono le trame del mio lavoro. Raramente includo ritratti nei miei progetti personali, anche se nella mia ricerca la presenza umana è tangibile, oserei dire, sempre presente.
A volte vorrei slegarmi da questo “metodo”. Ho cassetti di fotografie che mi sembrano certo riuscite e “belle”, ma che nell’epoca in cui vivo, dove l’accessibilità al mezzo fotografico è così diffusa, non hanno, per me, molto senso. Non fotografo tutto quello che incontro, non ho sempre la macchina con me (quella è stata una fase di apprendimento), ma quando sono dentro un progetto è un’immersione completa e la notte mi sveglio pensando a cosa devo fotografare.
Dagli anni della mia formazione ho sentito la necessità di delimitare i miei soggetti, di identificare una storia o un luogo da raccontare dandomi però la libertà di farlo con uno sguardo autoriale, libero, che inviti lo spettatore a intuire quello che non si vede. Lettrice appassionata, amo le descrizioni precise, ma asciutte in cui la fantasia del lettore deve cucire tra le parole una propria visione. Questo è quello che cerco di fare con il mio lavoro che negli anni ha abbracciato la scrittura, il video e in alcuni casi è diventato una presentazione multimediale. Nel futuro vorrei diventasse più aperto al caso, alla sperimentazione. Da un po’ faccio esperimenti in questo senso.
Angela Madesani – Vogliamo parlare del tuo recente lavoro, in fieri, Simonne la cui protagonista è una vecchia casa “addormentata” nel centro della città di Doudeville, Seine-Maritime, in Normandia, la capitale del lino. Un edificio che non è più abitato dal 2014 e che dal 1720 è di proprietà della stessa famiglia, i Guérin.
S.P. – I villaggi semi abbandonati nel cuore della Francia sono molti e mi sono sempre piaciutitantissimo. Alcuni dietro a un’apparante povertà mostrano segni di antiche attività, di una presenza importante di persone e beni, di passaggio e dinamismo… Ci sono case abbandonate perché senza eredi, altre per litigi e altre sono semplicemente sospese, in attesa di decidere quello che sarà di loro.
La casa che è diventata la protagonista di questo progetto è proprio nel centro di un paese, poco abitato e fuori dai percorsi turistici in Normandia. Le imposte chiuse, la lunga bottega al primo piano e una bellissima facciata a nord (“pignon nord”) in stile tradizionale, hanno attirato la mia attenzione. Con Delphine Garcia, pittrice che vive nel territorio e lavora spesso a Doudeville, abbiamo notato che in alcuni giorni, la luce del pian terreno era accesa e l’imposta semiaperta… La casa non era quindi abbandonata! Abbiamo deciso di cercare un contatto per entrare in questo edificio e abbiamo infine incontrato il proprietario, nipote dell’ultima residente Simonne Guérin che nel corso della sua vita ha abbandonato i piani superiori, per vivere al pian terreno. La casa è stratificata per epoche. In alto la soffitta, poi i due piani dove hanno vissuto sino agli anni Ottanta e poi il pian terreno dove tutto è più caotico e moderno. Il proprietario ci ha accolte e ha raccontato la storia di questa casa dove è nato e cresciuto e a cui è molto affezionato. Ci ha parlato della sua famiglia, i Guérin, di sua madre e della zia Simonne, che non si è mai spostata, e ha tenuto il negozio aperto sino a quando ha potuto, molto anziana. Era una famiglia conosciuta per la vendita e la confezione di lino. Mi ha edotta sull’evoluzione storica di questa “città” che è stata un centro economico internazionale importante. Qui, proprio in questa piazza oggi sempre deserta, trasformata in un parcheggio senza charme, si affaccendavano i compratori di lino. Un mondo lontano, difficile da immaginare. Il declino di Doudeville è legato alla delocalizzazione della filiale del lino, un grande cambiamento avvenuto durante la prima ondata di mondializzazione. Eppure questo mercato e la sua attività sono documentati da moltissime fotografie e stereo-fotografie di fine Ottocento e inizio Novecento.
Nell’arco di un anno, con Delphine sono ritornata più volte a fotografare. Nella casa “addormentata” tra le ragnatele, troviamo abiti e cappelli per i giorni di festa, ma anche utensili e strumenti da lavoro, bottoni, materie prime e ricordi che si sono andati a perdere tra cose accumulate senza valore, polvere e confusione. Il progetto è stato realizzato in fotografia medio formato a colori ed è un “gioco”: alcuni oggetti sono stati messi in scena, altri sono stati fotografati proprio lì dove li ho trovati. L’idea alla base di questa serie è quella di una visita della casa sotto la guida della defunta Simonne che, secondo me, vive ancora qui sospesa e che ci ha accolte con benevolenza. I giorni spesi a Doudeville, con il cielo grigio in piena estate, la luce bianca e fioca tra i fantasmi del passato, sono stati una fantastica caccia al tesoro.
A.M. – Ancora una volta la storia di una casa, di una famiglia. Forse in tutto questo c’è un legame con la tua vicenda personale, alla quale hai dedicato il libro Passato Prossimo?
S.P. – Passato Prossimo è stato per me estremamente importante. Iniziato insieme alla mia passione per la fotografia, in modo informale e poi negli anni pensato e ripensato, ripreso e abbandonato. Il soggetto è certo legato alla mia famiglia, ma anche alla storia in senso più ampio. Partendo da un salumificio, costruito nel 1954 a Chiavenna, in provincia di Sondrio e quindi dismesso negli anni Ottanta, ho deciso di tracciare il racconto di una storia familiare concentrandomi sulla relazione tra attività di piccola impresa tramandata e nucleo familiare. In filigrana emerge l’attaccamento al territorio che questa eredità ha creato per più generazioni e che si è perso con la mia. La mia famiglia, come molte altre in Italia, ha sviluppato un’attività che è stata tramandata di generazione in generazione. Dal 1872 il salumificio Pozzoli ha seguito le tracce della storia, ritmata dalle guerre, dalle crisi, da povertà e ripresa, dalle divisioni familiari e dalla fratellanza e dal mutuo sostegno. Tutto ciò in un territorio che ha avuto un’importanza storica e internazionale, trovandosi al centro della Mitteleuropa sul confine tra Italia e Svizzera proprio al centro delle Alpi. Con l’apertura del passo del Brennero ha perso centralità, ricchezza, passaggio e forza produttiva. I racconti sono stati raccolti all’interno di interviste audio fatte ai membri della mia famiglia, ai nonni, a persone cha hanno lavorato, al Tiglio, la fabbrica realizzata con piastrelle rosa e essiccatoi in legno, con tutte le guide per l’aria da aprire e chiudere a mano, per i prosciutti crudi e le bresaole. Un luogo che da bambina trovavo magico, con il suo grande giardino dismesso, spazi vuoti, scale… Mio nonno paterno mi portava a giocare proprio lì. Erano momenti di fertile immaginazione nutriti dal suo racconto: “qui c’erano le vasche dove a mano facevano i salami, si mettevano in fila gli operai e…”. Negli anni successivi è mio padre che mi ha accompagnata e ha raccontato tra nostalgia e stupore quel tempo passato. Al Tiglio, le tracce del passaggio di chi ha lavorato, gli utensili dismessi, ganci, pese, ma anche gli elementi dell’ufficio, lampadari, cartoni vuoti, sono stati tra i primi soggetti che ho fotografato. È un mestiere che si lascia indovinare tra la polvere e il silenzio assoluto di questo luogo, con la natura che poco a poco ha conquistato e piegato l’edificio. La possibilità di stare sola con la mia macchina fotografica mi ha regalato momenti di creatività e introspezione.
Ho ripreso in mano questo progetto quando vivevo a New York, nel 2008, ero già stata per molti anni a Parigi e tornavo regolarmente al Tiglio per fotografare, ma è nel contesto di Harlem, lontano dal tessuto familiare che mi sono detta che andava finito. Il lavoro è stato presentato nella sua forma finale nel 2010 con una mostra e una pubblicazione sostenuta dalla Fondazione Credito Valtellinese a Sondrio. In mostra una serie di cassettoni, raccontavano, grazie a montaggi audio, aneddoti e ricordi di lavoro e di vita condivisa. In otto tappe è la storia di una piccola attività e di una famiglia che possiamo vedere. Una selezione di fotografie d’epoca forma dei collages, che fanno da sottofondo alle fotografie in medio formato della fabbrica. Le voci animano una mostra dove le fotografie di questo luogo dismesso comunicano la forza del silenzio e della natura che ora dominano.
Dopo un importante sviluppo negli anni, la cessione dell’attività a un grande gruppo diventato socio, ha creato una cesura anche familiare. Senza un progetto di lavoro perché restare in un paese? Questa è un po’ la conclusione, senza giudizio di questo lavoro. Un’apertura, una perdita, un segno dei tempi?
Il lavoro era tanto, la fatica e l’impegno presenti ogni giorno perché un salumificio non può mai chiudere e ai tempi era il sapere tramandato che permetteva di reagire ai cambiamenti atmosferici per far sì che il prodotto maturasse e fosse pronto per la vendita. Per generazioni le famiglie sono rimaste legate a tradizioni, obblighi e responsabilità a volte pesanti e certamente complesse, ma forti. Il coinvolgimento iniziava da bambini, tutta la famiglia era coinvolta. “Casa” era prima di tutto nella mia famiglia il lavoro vissuto come impegno, tramandato con passione e fonte costante di interesse e attività. La mostra includeva Girotondo, un video composto di Super 8 d’epoca e di una camminata di mio padre dentro il Tiglio dismesso. Un’immersine nel ricorso sulle musiche originali di Ctrl-alt-suppr, un gruppo musicale underground parigino.
A.M. – Ci puoi raccontare la tua storia, gli anni della formazione?
S.P. – Ho iniziato a sognare di viaggiare e fotografare quando ero ragazzina. Dal mio paesino tutto attorniato di montagne questa prospettiva mi sembrava fantastica. Mi affascinavano le macchine fotografiche e cercavo di usare quelle di mio padre di nascosto. Da allora, mi è restata l’idea che ci sia qualcosa di magico nell’atto di fotografare: decidere di inquadrare un luogo, una persona, un oggetto in un certo modo, scegliendo quali dettagli far emergere, cosa includere e cosa escludere in un momento preciso, forse unico, per poi poterlo ritrovare fissato per l’eternità. Ho studiato Lingue e Letterature straniere a Bergamo e ho seguito un corso serale per l’apprendimento di base della tecnica fotografica a colori e in bianco e nero e l’uso del flash. Ho lavorato come fotografa per i matrimoni. Allora, la fotografia era solo analogica e l’apprendimento non era rapido. Oggi mi dico che è stata una bella scuola. Poi ho avuto la bellissima opportunità di frequentare l’Atelier Reflèxe, una scuola indipendente di insegnamento fotografico a Montreuil, appena fuori Parigi, dove ho frequentato fotografi importanti. Ero a Parigi con il progetto Erasmus ma ho deciso di conseguire una doppia laurea. Studiavo storia dell’arte alla Sorbonne, dove ho finito il mio percorso con un master in Multimédia. A Milano sono stata assistente di Ramak Fazel, eccezionale fotografo che allora lavorava molto su commissione per il mondo del design e ho lavorato in diversi archivi, catalogando fotografie. Tutto questo mi ha insegnato a affinare lo sguardo e a sviluppare delle capacità tecniche. Direi che in qualche modo la mia formazione si è conclusa con l’esperienza alla galleria Carla Sozzani di Milano, dove per circa due anni ho partecipato alla creazione di mostre, occupandomi di molti aspetti e apprendendo sul campo come si crea un progetto espositivo, come si struttura la comunicazione, come si lavora in équipe e tutti gli aspetti pratici necessari. Nel 2007 ho lasciato Milano e questo lavoro, con un po’ di follia, mi sono trasferita a New York e ho ricominciato da capo, mettendo la mia creatività al centro, concentrandomi su progetti fotografici e video.
A.M. – Tra i tuoi lavori che prediligo, che trovo più densi di contenuto, è quello che hai dedicato a Meret Oppenheim e alla sua casa di Carona in Svizzera, intitolato appunto Un’estate con Meret Oppenheim. Un’artista, tu, che entra nel luogo dell’anima di una delle più grandi artiste del XX secolo, Meret. È un lavoro in cui sei riuscita a trasmettere perfettamente l’atmosfera di quel luogo, o forse quella che io suppongo essere l’atmosfera di quel luogo: non ci sono mai stata.
S.P. – Barbara Stehle che ha scritto un bellissimo testo per la pubblicazione nella collana della Fondazione VAF Stiftung-Manfredi dal titolo Un’estate con Meret Oppenheim nel 2021, punto finale della mia ricerca, ha definito questo progetto come un omaggio a Meret Oppenheim: mi piace. Forse effettivamente, ho cercato nel lungo processo di creazione di questo volume ispirazione, una guida personale verso la libertà e la forza di autodeterminazione e autonomia che Meret ha incarnato nelle sue scelte di vita e nel suo essere artista. In un certo senso studiandola, parlando di lei con chi bene l’ha conosciuta ho potuto incontrarla e apprezzarne tante sfumature. Lisa Wenger, nipote di Meret è stata il mio principale supporto, con il suo aiuto abbiamo ritrovato le tracce di Casa Costanza nella corrispondenza di M.O. e in numerosi ricordi. Suo fratello Michael e la loro madre Birgit Wenger, cognata di Meret Oppenheim, che ho potuto intervistare, a quasi cento anni, proprio a Carona, si sono prestati al gioco con generosità e apertura. L’architetto Aurelio Galfetti che ha lavorato, quando era molto giovane, fresco di studi con Meret Oppenheim al restauro di Casa Costanza ha condiviso i suoi ricordi. Jacqueline Burckhardt e Bice Curiger amiche intime e collaboratrici negli ultimi anni di vita dell’artista ne hanno fatto un ritratto pieno di vita. Questa vitalità, il gusto leggero ma non lezioso, ironico ma molto attento e profondo di Meret Oppenheim aleggiano in tutta Casa Costanza, un luogo unico, firmato M.O. Si tratta quindi di una casa – opera d’arte totale, Gesamtkunstwerk, che è stata per l’artista un luogo molto importante, rimasto dall’infanzia sino agli ultimi mesi della sua vita, il centro affettivo, l’heimat.
Il progetto è nato dalla mia lettura delle biografie su Meret Oppenheim. Intorno al 2014 il lavoro di Oppenheim e la sua storia, le sue poesie mi hanno catturata, ispirata e incoraggiata a approfondire la sua conoscenza. In Afferrare la vita per la coda di Martina Corgnati un intero capitolo è dedicato a Carona e alla storia unica di Casa Costanza, che ha accolto Meret bambina in un ambiente stimolate, aperto all’arte e alla cultura, per poi essere da lei trasformato e restare per le generazioni future. L’edificio, acquistato nel 1917 dai Wenger, ha una curiosa facciata settecentesca e la casa, su più piani con un giardino interno, si è trasformata nel tempo da casa contadina a palazzetto con passaggi, scale, un ballatoio e un grande soggiorno signorile al primo piano. Nel 1967-68 Meret Oppenheim ha potuto realizzare un suo grande sogno: restaurare e reinventare Casa Costanza trasformandola e modificandola, scegliendo quali pezzi e opere tenere, cosa buttare, cosa valorizzare. Ha eseguito degli interventi pittorici, ha realizzato pezzi di design e scelto il luogo giusto per ogni oggetto. Senza entrare nel dettaglio, direi che Meret ha reso questa casa un insieme particolare, unico e riconoscibile. Per chi ama il suo lavoro ogni angolo parla di lei e della famiglia in cui è nata. Ci sono testimonianze delle sue amicizie, artisti che hanno lasciato a lei o creato proprio qui in vacanza piccoli pezzi dai suoi disegni o ready made, il tutto unito a ricordi della sua infanzia, bellissimi giochi vintage e libri illustrati dell’amata nonna di Meret, Lisa Wenger (omonima della nipote), illustratrice e scrittrice di libri per ragazzi, una donna brillante tra le prime a studiare all’Accademia di Belle Arti di Düsseldorf che ha stimolato e nutrito la creatività della nipote.
Nel mio lavoro le voci delle persone che ho intervistato per raccontare questa storia si intrecciano e le fotografie a colori, realizzate con pellicola medio formato 6×6, non mostrano tanto la casa, la sua architettura quanto le tracce dell’artista surrealista. Il mio desiderio era quello di evocare la sua presenza, di far emergere il suo stile, le sue scelte originali (ancora più se si pensa al periodo storico). Casa Costanza è un luogo privato e vissuto e non un museo. La famiglia rispetta il volere di Meret Oppenheim e le sue richieste: nulla è stato spostato dal 1968, tutto resta in un insieme molto originale e pensato in ogni minimo dettaglio. C’è qualcosa di magico e sospeso, un bel silenzio e tantissima cura.
A.M. – Nel corso degli anni hai fatto anche molti lavori su committenza. Come ti poni in questi due diversi frangenti operativi? Ci sono degli atteggiamenti comuni?
S.P. – Il lavoro su commissione è una parte importante della mia attività e negli anni si è sempre più avvicinato al mio lavoro personale per temi e interessi, anche se restano numerose differenze in termini di metodo, scopo e risultati. Non ho mai preso questo aspetto alla leggera. Sono felice di essere stata scelta per ritrarre o raccontare un determinato luogo, una bottega artigiana, o per fare una documentazione di una realtà. Che sia un ritratto d’attore per un porfolio o un progetto lungo e ambizioso è sempre un’avventura. Va detto che ci sono molte restrizioni da considerare e a volte il committente ha una visione che non sposa totalmente la mia, ma ho sempre messo impegno e passione nel mio lavoro. Da diversi anni ho realizzato il lavoro su commissione quasi esclusivamente in digitale per motivi di costi e tempistiche, nonostante io ami l’analogico.
Ho avuto delle bellissime opportunità che mi hanno permesso di viaggiare e conoscere l’Italia e la Francia, dove vivo da diversi anni, e di fare tantissimi incontri. Cerco nei miei lavori su commissione di proporre una visione, di mettere un po’ del mio modo di guardare il mondo anche nelle fotografie che possono sembrare meno “importanti”. Negli anni, questo mestiere è cambiato moltissimo. Ci vorrebbe troppo tempo per raccontarne l’evoluzione, ma certamente quello che è stato sino all’avvento del digitale e prima della diffusione dei social networks è lontanissimo da ciò che oggi i fotografi fanno come lavoro. Il mondo è cambiato in modo evidente, la fruizione dell’immagine è rivoluzionata, e il mestiere di fotografo è stato stravolto.
Negli anni quello che ha caratterizzato il mio lavoro su commissione è la specializzazione nei mestieri dell’arte, iniziata nel 2010. Fotografo artigiani al lavoro, botteghe, manufatti in produzione per fondazioni quali la Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte di Milano, la Michelangelo Foundation di Ginevra, ho lavorato per l’INAM, Istituto Nazionale dei Mestieri d’Arte di Francia, ma ho anche fotografato direttamente per maison tra cui Cartier e per artigiani in tutta Europa. Nel 2018 ho realizzato una mostra, dal titolo Venetian Way, che ha avuto luogo presso la Fondazione Giorgio Cini a Venezia, per la biennale, dedicata all’eccellenza artigiana Homo Faber. Per questo grande progetto espositivo sostenuto da Michelangelo Foundation ho lavorato sul mondo dell’artigianato del Veneto. 21 mestieri scelti, ma fotografati con libertà autoriale piena. Ho scattato in pellicola medio formato e il progetto ha richiesto quasi due anni. Nel 2021, con una diversa selezione e un testo, un racconto che ho scritto per ogni artigiano o realtà, è nato l’omonimo volume pubblicato da Marsilio che racconta le storie dei protagonisti del nobile lavoro dell’artigiano.
Gestire l’agenda tra lavoro personale e commissione non è semplice. Lavorare su commissione resta una bellissima chance che mi ha dato la possibilità di essere autonoma economicamente e di restare legata al mondo del lavoro attivamente. Ho avuto la possibilità di scoprire universi che non avrei mai scoperto seguendo solo i miei interessi Le difficoltà sono, però, molteplici: a volte vorrei proporre un lavoro più originale o avere più comprensione e libertà, molto spesso è la rapidità richiesta e limiti economici a creare forti barriere.
A.M. – Tracce a Montespluga è un progetto iniziato nel 2022 per raccontare un luogo, dovetuo nonno aveva una casa, in un momento storico di cambiamento ambientale, che comporta un profondo mutamento del rapporto tra uomo e territorio. Un altro ambito del nostro contemporaneo di grande interesse.
S.P. – Ti sto scrivendo da quello che per quest’estate sarà il mio studio. Sono a 1908 metri d’altezza sul livello del mare, in Valchiavenna a due passi dal confine con la Svizzera, sulla via dello Spluga. Lo spazio in cui lavoro è un container trasparente che si affaccia sul lago artificiale di Montespluga e le macchine con targhe internazionali rallentano davanti a mia questa grande vetrata, un po’ incuriosite.
Mi trovo in un luogo molto particolare, dove la bellezza naturalistica si confronta da tempi remoti con un forte impatto dell’uomo, il suo controllo e lo sfruttamento delle risorse idriche, geologiche, di pascolo. Il paesaggio è disegnato dal serpente di strada, dalla diga con le sue imponenti sponde. La natura è forte, quasi lunare, tratteggiata dall’erosione del vento e della neve. Per molti anni Montespluga in inverno era ricoperta di neve, c’erano ghiacciai di nevi perenni a pochi chilometri, ghiacciai che oggi si sono sciolti.
Questo luogo è legato a ricordi d’infanzia e per me ha una magia unica. Il clima è mutevole, c’è una fortissima presenza degli elementi: acqua, vento, sole… Tutto è contrastato qui.
Negli ultimi anni i cambiamenti climatici in atto sono sempre più evidenti. La flora, perennemente in evoluzione, si è modificata sensibilmente con la presenza di nuove specie pioniere e una diffusione di larici in altezze che una volta sarebbero state impossibili. Per tutto il 2022 la siccità impressionante ha dato forma a un territorio secco, con colori insoliti per Montespluga: l’erba gialla, le rocce sempre più esposte, zolle secche nella piana del lago… Invece questa estate piogge e freddo insoliti, temporali violenti ritmano le giornate. I pascoli sono verdissimi ma zuppi e a volte insidiosi per il pascolo.
L’idea di questo lavoro è quella di fotografare Montespluga tra il 2022 e 2023 e di raccogliere le impressioni di chi la conosce, abita e vive. La prospettiva scelta è quella della percezione personale più che scientifica, il racconto legato alla flora. È un viaggio sensibile, non una documentazione, anche se per questo lavoro posso contare sull’appoggio di studiosi del clima che mi stanno permettendo di capire esattamente cosa significano le curve sulle precipitazioni, come cambia il terreno, la sua struttura. La collaborazione più importante è quella con Saul Caligari, giardiniere e studioso, grande conoscitore del territorio, che partecipa attivamente al progetto sin dal suo inizio. Alterniamo momenti dedicati alle riprese fotografiche, passeggiate esplorative, interviste e momenti di lavoro a distanza. Inoltre ho il sostegno di Barbara Bonnefoy, professore in psicologia ambientale all’Università di Parigi-Nanterre (Francia), che si occupa in particolare delle reazioni psicologiche che si attivano nei singoli individui e nelle comunità nei confronti dell’ambiente e dei suoi cambiamenti.
Nei mesi di luglio e agosto 2023 lavoriamo a Montespluga. Ho creato degli atelier aperti al pubblico tutti i sabati, raccolgo materiale vintage (vecchie foto, cartoline, pubblicità). Fotografo, intervisto i “caricatori” che hanno portato le mucche in alpe per i mesi estivi e i pochi residenti e i turisti di passaggio. Tutti e tre, Caligari, Bonnefoy e io, insieme dibattiamo di quello che giorno per giorno scopriamo o verifichiamo in termini di flora, rapporti sociali e paesaggio-clima.
L’idea è quella di dare voce a chi questo luogo lo conosce per staccarsi dalla nostalgia e cercare di attivare uno sguardo attento sul presente, prima di tutto sulla flora e sulle condizioni climatiche effettive.
Come sarà Montespluga tra 50 anni? Questa è l’ultima grande domanda che pongo a tutti e che aiuta a osservare il presente per immaginare il futuro.
Una volta terminata la fase di raccolta di tutti materiali, il progetto tornerà completamente nelle mie mani per fare una selezione, rielaborazione e creazione dei contenuti che saranno raccolti in una mostra e spero in una pubblicazione composta di frammenti, in qualche sorta un racconto allo stesso tempo corale e autoriale.
Poesie di Tomás Segovia – Poeta spagnolo, naturalizzato messicano-
QUELLO CHE HO
Mi stanco sempre di contare
prima di finire l’inventario
di tutto quello che ho
Tante albe e crepuscoli
e notti silenziose
Tanti alberi in tutto il mondo
quasi tutti con uccelli
Tante delizie per il tatto e la vista
e l’udito finchè mi arriva
per l’olfatto ed il gusto raffinato
e tante ore per stare allegro
e altre per sognare assopito
e tanti giorni con le sue notti
come il fedele rinnovarsi dell’onda
Ho tutto questo oltre
la donna che mi possiede.
Lo que tengo
Siempre me canso de contar
Antes de completar el inventario
De todo lo que tengo
Tantos amaneceres y crepúsculos
Y altas noches calladas
Tantos árboles por todo el mundo
Casi todos con pájaros
Tantas delicias para el tacto y para el ojo
Y el oído hasta donde todavía me llega
Para el olfato y el taimado gusto
Y tantas horas para estar despierto
Y otras para soñar dormido
Y tantos días con sus noches
Como el fiel renovarse de las olas
Todo eso tengo y además
La mujer que me tiene.
da Estuario
Edizioni Pre-textos 2011
Collezione La croce del sud
RESPIRI NELLA NOTTE
*
Qui contro la mia pelle il soffio
del tuo respiro nel sonno
e dall’altra parte fuori
Il sussurro del vento che vaga nella notte
che trae dallo sfondo l’effusione solitaria
del silenzioso tumulto delle cose
E tra un respiro e l’altro
con le ali aperte che cadono nel tempo
l’estensione dell’abbraccio
di un me stesso felice dell’assenza musicale
che beve un profondo fiume d’amore e di mistero
le cui due mani sono
due respiri diversi.
QUELLO CHE HO
Mi stanco sempre di contare
prima di finire l’inventario
di tutto quello che ho
Tante albe e crepuscoli
e notti silenziose
Tanti alberi in tutto il mondo
quasi tutti con uccelli
Tante delizie per il tatto e la vista
e l’udito finchè mi arriva
per l’olfatto ed il gusto raffinato
e tante ore per stare allegro
e altre per sognare assopito
e tanti giorni con le sue notti
come il fedele rinnovarsi dell’onda
Ho tutto questo oltre
la donna che mi possiede.
Lo que tengo
Siempre me canso de contar
Antes de completar el inventario
De todo lo que tengo
Tantos amaneceres y crepúsculos
Y altas noches calladas
Tantos árboles por todo el mundo
Casi todos con pájaros
Tantas delicias para el tacto y para el ojo
Y el oído hasta donde todavía me llega
Para el olfato y el taimado gusto
Y tantas horas para estar despierto
Y otras para soñar dormido
Y tantos días con sus noches
Como el fiel renovarse de las olas
Todo eso tengo y además
La mujer que me tiene.
da Estuario
Edizioni Pre-textos 2011
Collezione La croce del sud
Tomás Segovia
Dimmi donna
Dimmi donna dove nascondi il tuo mistero
donna acqua pesante volume trasparente
più segreta quanto più ti spogli
quale è la forza del tuo splendore inerme
la tua abbagliante armatura di bellezza
dimmi non posso più con tante armi
donna seduta sdraiata abbandonata
insegnami il riposo il sonno e l’oblio
insegnami la lentezza del tempo
donna tu che convivi con la tua carne ignominiosa
come accanto ad un animale buono e calmo
donna nuda di fronte all’uomo armato
togli dalla mia testa questo casco d’ira
calmami guariscimi stendimi sulla fresca terra
toglimi questi vestiti di febbre che mi asfissiano
sommergimi indeboliscimi avvelena il mio pigro sangue
donna roccia della tribù sbandata
discingimi queste maglie e cinture di rigidezza e paura
con cui mi atterrisco e ti atterrisco e ci separo
donna oscura e umida pantano edenico
voglio la tua larga fragrante robusta sapienza,
voglio tornare alla terra e ai suoi succhi nutritivi
che corrono sul tuo ventre e i tuoi seni e irrigano la tua carne
voglio recuperare il peso e la completezza
voglio che tu m’inumidisca, m’ammolli, m’effemini
per capire la femminilità, la morbidezza umida del mondo
voglio appoggiata la fronte nel tuo grembo materno tradire
il ferreo esercito degli uomini
donna complice unica terribile sorella
dammi la mano torniamo ad inventare il mondo noi due soli
voglio non distaccare mai gli occhi da te
donna statua fatta di frutta colomba cresciuta
lasciami sempre vedere la tua misteriosa presenza
il tuo sguardo di ala e seta e lago nero
il tuo corpo tenebroso e raggiante plasmato di slancio senza incertezze
il tuo corpo infinitamente più tuo che per me quello mio e che
dai di slancio senza incertezze senza tenerti niente il tuo
corpo pieno e uno illuminato tutto di generosità donna mendicante
prodiga porto del pazzo Ulisse non permettere che io
dimentichi mai la tua voce di uccello memorioso
la parola calamitata che nel tuo intimo pronunci sempre nuda
la parola sempre giusta di folgorante ignoranza
la selvaggia purezza del tuo amore insensato
delirante senza freno abbrutito invidiato
il gemito nettissimo della tenerezza
lo sguardo pensieroso della prostituzione
la cruda chiara verità dell’amore che assorbe e divora e
si alimenta l’invisibile zampata della divinazione
l’accettazione la comprensione la sapienza senza strade
la spugnosa maternità terreno di radici
donna casa del doloroso vagabondo
dammi da mordere la frutta della vita
la stabile frutta di luce del tuo corpo abitato
lasciami reclinare la mia fronte funesta
sul tuo grave grembo di paradiso boscoso
spogliami acquietami guariscimi di questa colpa acre
di non essere sempre armato ma soltanto io stesso.
Versione originale: Dime mujer
Dime mujer dónde escondes tu misterio
mujer agua pesada volumen transparente
más secreta cuando más te desnudas
cuál es la fuerza de tu esplendor inerme
tu deslumbrante armadura de belleza
dime no puedo ya con tantas armas
mujer sentada acostada abandonada
enséñame el reposo el sueño y el olvido
enséñame la lentitud del tiempo
mujer tú que convives con tu ominosa carne
como junto a un animal bueno y tranquilo
mujer desnuda frente al hombre armado
quita de mi cabeza este casco de ira
cálmame cúrame tiéndeme sobre la fresca tierra
quítame este ropaje de fiebre que me asfixia
húndeme debilítame envenena mi perezosa sangre
mujer roca de la tribu desbandada
descíñeme estas mallas y cinturones de rigidez y miedo
con que me aterro y te aterro y nos separa
mujer oscura y húmeda pantano edénico
quiero tu ancha olorosa robusta sabiduría
quiero volver a la tierra y sus zumos nutricios
que corren por tu vientre y tus pechos y que riegan tu carne
quiero recuperar el peso y la rotundidad
quiero que me humedezcas me ablandes me afemines
para entender la feminidad la blandura húmeda del mundo
quiero apoyada la cabeza en tu regazo materno
traicionar al acerado ejército de los hombres
mujer cómplice única terrible hermana
dame la mano volvamos a inventar el mundo los dos solos
quiero no apartar nunca de ti los ojos
mujer estatua hecha de frutas paloma crecida
déjame siempre ver tu misteriosa presencia
tu mirada de ala y de seda y de lago negro
tu cuerpo tenebroso y radiante plasmado de una vez sin titubeos
tu cuerpo infinitamente más tuyo que para mí el mío
y que entregas de una vez sin titubeos sin guardar nada
tu cuerpo pleno y uno todo iluminado de generosidad
mujer mendiga pródiga puerto del loco Ulises
no me dejes olvidar nunca tu voz de ave memoriosa
tu palabra imantada que en tu interior pronuncias siempre desnuda
tu palabra certera de fulgurante ignorancia
la salvaje pureza de tu amor insensato
desvariado sin freno brutalizado enviciado
el gemido limpísimo de la ternura
la pensativa mirada de la prostitución
y la clara verdad cruda
del amor que sorbe y devora y se alimenta
el invisible zarpazo de la adivinación
la aceptación la comprensión la sabiduría sin caminos
la esponjosa maternidad terreno de raíces
mujer casa del doloroso vagabundo
dame a morder la fruta de la vida
la firme fruta de luz de tu cuerpo habitado
déjame recostar mi frente aciaga
en tu grave regazo de paraíso boscoso
desnúdame apacíguame cúrame de esta culpa ácida
de no ser siempre armado sino sólo yo mismo.
Tomás Segovia
Biografia di Tomàs Segovia (1927-2011)- Nació en Valencia, España, el 21 de mayo de 1927; murió en la Ciudad de México, el 7 de noviembre de 2011. Poeta, ensayista y narrador. Radicó en México desde 1940. Estudió Filosofía y Letras en la Facultad de Filosofía y Letras de la unam, y Lengua Francesa en el Institut Français d’Amérique Latine (México). Certificat d’Aptitude à l’Enseignement de la Langue Française (La Sorbona). Fue editor de la Dirección General de Publicaciones de la unam; secretario de la colección de clásicos universales; organizador y director de La Casa del Lago; profesor de El Colegio de México, donde creó el Centro de Enseñanza e Investigación de la Traducción; director de la Revista Mexicana de Literatura; jefe de redacción de Plural. Traductor de Giuseppe Ungaretti, André Breton, Alain Borer, Cesare Pavese, Victor Hugo, L. Febre, Roman Jacobson, Paul Vignaux, Mircea Eliade, Rainer María Rilke, Jacques Lacan, Frances Yates, William Shakespeare, Gérard de Nerval y muchos otros. Colaborador de Plural, Revista Mexicana de Literatura, Revista de la Universidad de México y Vuelta. Becario de El Colegio de México, 1953; del cme, 1954 y 1955; y de la Fundación Guggenheim, 1968 y 1976. Miembro del snca desde 1994. Premio Xavier Villaurrutia, 1973 por Terceto. Premio Magda Donato 1974 por Trizadero. Premio Alfonso x de Traducción Literaria, 1982, por Atalía, de Jean Racine. Premio Alfonso x de Traducción Literaria, 1984 por Poesías completas de Gérard de Nerval. Premio Juan Rulfo 2005 por su trayectoria. Premio de Poesía Federico García Lorca 2008 por su aportación a la literatura.
Obra de consulta: Catálogo biobibliográfico de la literatura en México
Tomás Segovia
Tomás Segovia
QUELLO CHE HO – TOMAS SEGOVIA
Di questa poesia non esiste una traduzione. Non ci sono suoi libri in italiano, o almeno io non ne ho trovati, come pure non si trova la sua biografia, se non nei siti stranieri. Ho quindi provveduto da sola e come mi succede di solito, ho trovato altre sue poesie altrettanto ed anche più notevoli.
In questa il tema è emblematico per un esule, uno della sua generazione, che si deve allontanare da amici e da parenti, costretto a spostarsi di paese in paese o da una nazione ad un’altra.
Non ci si può attaccare agli oggetti, perchè spesso dev’essere abbandonato tutto quello che non entra dentro una valigia: naturale il pensiero di censire quello che, invece si possiede, sia pure l’aria che si respira.
Poesia semplice e lineare, per la quale ho voluto mantenere il rapporto di quelle parole anaforicamente costanti, a costo di far sembrare puerile la mia traduzione, ma diversamente mi sarebbe sembrato di tradire l’autore.
A questo punto, mi piacerebbe avere qualche riscontro al mio lavoro.
Sono stata contenta di scoprire che Tomas era un blogger convinto. Tomas Segovia, scrittore e poeta, nasce a Valencia il 21 maggio 1927, come era solito dire “mia madre era in città per caso e ho deciso di unirsi a lei”. Dopo la vittoria di Franco nella guerra civile, la sua famiglia, di fede repubblicana, fu costretta all’esilio. Dapprima a Parigi e poi a Casablanca prima di stabilirsi nel 1940 in Messico, uno dei pochi paesi per fornire il supporto a titolo definitivo alla Repubblica, anche nella sconfitta.
Là, completò gli studi di Filosofia e letteratura spagnola alla Università Nacional Autonoma de Mexico e poi al Colegio de Mexico. Dopo gli studi insegnò non solo alla UNAM (Universidad Nacional Autónoma de Messico), ma anche presso l’Institut Français d’Amérique Latine’ e ‘Alliance Française’. Seguirono quattro anni di permanenza in Uruguay e successivamente torna in Francia. Nel 1966 torna in Messico, grazie alla sovvenzione del ‘Guggenheim Foundation’, restando presso il ‘Colegio de Messico’ come studioso di letteratura, salvo un periodo come professore ospite presso l’Università di Princeton. Si ritira dalla quella vita nel 1984, vivendo tra Madrid ed il sud della Francia, dove si dedica alla traduzione e ad impartire conferenze, corsi e seminari.
Col suo primo libro pubblicato nel 1945, entra a far parte della scena intellettuale di Città del Messico, fondando nel 1946 la rivista Presencia ancora adolescente. Ha poi diretto la rivista La Revista Mexicana de Literature (1958-1963), e successivamente ha collaborato con le due pubblicazioni letterarie messicane più importanti: Plurale e Vuelta – quest’ultima fondata da lui stesso con Octavio Paz.
Fu anche un membro del consiglio consultivo del dizionario della lingua spagnola in Messico.
Numerosi i riconoscimenti ottenuti: Premio Xavier Villaurrutia nel 1972, in due occasioni ha ricevuto la ‘Alfonso-X-Prize’ per le traduzioni letterarie, il premio Octavio Paz per la Poesia e il saggio, il Premio Juan Rulfo nel 2005, uno dei più importanti dell’America Latina
Muore a Città del Messico, il 7 Novembre 2011 per un cancro. Il senato del parlamento messicano osserva un minuto di silenzio in suo onore.
In Spagna, il direttore dell’Istituto Cervantes dirà: con la sua morte abbiamo perso uno dei grandi punti di riferimento di quella che è stata chiamata la generazione degli esuli.
QUELLO CHE HO
Mi stanco sempre di contare
prima di finire l’inventario
di tutto quello che ho
Tante albe e crepuscoli
e notti silenziose
Tanti alberi in tutto il mondo
quasi tutti con uccelli
Tante delizie per il tatto e la vista
e l’udito finchè mi arriva
per l’olfatto ed il gusto raffinato
e tante ore per stare allegro
e altre per sognare assopito
e tanti giorni con le sue notti
come il fedele rinnovarsi dell’onda
Ho tutto questo oltre
la donna che mi possiede.
Lo que tengo
Siempre me canso de contar
Antes de completar el inventario
De todo lo que tengo
Tantos amaneceres y crepúsculos
Y altas noches calladas
Tantos árboles por todo el mundo
Casi todos con pájaros
Tantas delicias para el tacto y para el ojo
Y el oído hasta donde todavía me llega
Para el olfato y el taimado gusto
Y tantas horas para estar despierto
Y otras para soñar dormido
Y tantos días con sus noches
Como el fiel renovarse de las olas
Todo eso tengo y además
La mujer que me tiene.
da Estuario
Edizioni Pre-textos 2011
Collezione La croce del sud
Tomás Segovia (Spanish pronunciation: [toˈmas seˈɣoβja]; 21 May 1927 – 7 November 2011)[1][2] was a Mexican author, translator and poet of Spanish origin. He was born in Valencia, Spain, and studied in France and Morocco.[3] He went into exile to Mexico, where he taught at the Colegio de México and other universities.[3] Segovia founded the publication Presencia (1946),[4] was director of La Revista Mexicana de Literatura (1958–1963),[5] formed part of the magazine Plural, and collaborated in Vuelta.[6] He was married to the writer Inés Arredondo from 1953 to 1965.[7]
At the time of his death he resided in Madrid, Spain.[8]
Works
His work as a poet is not separate from his literary criticism and works of translation. Notable books of poetry include La luz provisional (1950), El sol y su eco (1960), Anagnórisis (1967), Figura y secuencias (1979) and Cantata a solas (1985). Prose works include: Contracorrientes (1973), Poética y profética (1986) and Alegatorio.[3][9][10]
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